Aya et la sorcière

Les cinémas sont fermés et le bol d’air que ceux-ci me procuraient me manque. Ma consommation de films a donc sacrément chuté. Mine de rien j’ai l’impression d’avoir moins de temps pour les loisirs alors que les ouvrages à lire, les jeux à faire et les films à voir s’empilent. Cependant, je trouve tout de même de quoi faire une petite place pour un film de temps en temps.

Les différents festivals se sont adaptés et sont passés en ligne. C’est là que j’ai vu passer le festival de Gerardmer en version dématérialisé. Ce n’est clairement pas mon type de films qu’il propose, toutefois dans le lot le dernier Ghibli était proposé : Aya et la sorcière. Il s’agit d’une autre adaptation par le studio d’une œuvre de Diana Wynne Jones mais clairement plus orientée vers les enfants. Bien que je n’ai pas lu l’œuvre d’origine, qui jusque là n’avait pas été traduite en français il me semble (erreur bientôt réparée), le film semble plutôt coller au matériau d’origine. Plus en tout cas que le château ambulant, qui bien que reprenant le même postulat que le livre, finissait pas partir dans une autre direction.

Revenons donc à Aya et la sorcière. Il faut croire que les sorcières ont le vent en poupe dernièrement puisque nous avions eu Mary et la fleur de la sorcière qui était également une adaptation littéraire. Concernant Aya ce n’est pas un film que j’attendais particulièrement et les premiers visuels ne m’inspiraient pas du tout. L’affiche avec le groupe de rock en arrière plan (qui n’a qu’un intérêt minime dans le film) ne laissait pas vraiment entrevoir ce que serait l’histoire et je ne voyais pas bien le rapport avec le monde de la magie… Non ce qui faisait surtout peur c’était la 3D. Je ne sais pas pourquoi mais les expressions faciales, surtout exagérées, des personnages Ghibli ne rendent pas bien en 3D. Cela accentue l’effet plastique/faux, voire bas de gamme, sinon très datée de cette 3D. De plus les mouvements semblaient rigides, les textures assez moches, j’en passe et des meilleurs. La bande annonce avait de quoi refroidir. Néanmoins quand l’occasion s’est présentée, j’ai tout de même décidé de laisser une chance au film.

Pour rappel : de quoi parle Aya et la sorcière ?

Le film débute sur une course poursuite entre une femme aux cheveux rouges à moto possédant des pouvoirs (une sorcière donc) et une voiture qui ne lui veut pas que du bien. Parvenant à échapper à ses poursuivants, la jeune femme dépose son bébé « Manigance » (Earwig en vo) devant la porte d’une orphelinat avec une cassette et un mot indiquant qu’elle viendra chercher sa fille une fois qu’elle aura battu les douze sorcières.
Les années passent et Aya compte rester pour toujours à l’orphelinat afin de continuer à mener tout le monde à la baguette. C’est sans compter sur le jour des adoptions où, sans préavis, Aya est choisie par Bella Yaga et Mandrake, respectivement une sorcière et un démon, pour venir chez eux afin de servir à Bella Yaga de petites mains (pour ne pas dire de bonne à tout faire et d’esclave). Aya ne se démonte pas car elle est bien décidé à devenir une sorcière sous la supervision de Bella Yaga.

Verdict ? Aya et la sorcière était-il un mauvais film ?

Oui…et non. Clairement ce n’est pas le meilleur du studio. Le film a des défauts mais je m’attendais vraiment à pire et finalement ça se laisse regarder. Ce que Aya et la sorcière me rappelle, ce sont ces films pour enfants vite regarder et vite oublier que l’on peut retrouver le soir sur des chaînes comme Gulli. Individuellement ce ne sont pas de mauvais films, ils sont pleins de bonnes intentions mais ne marquent en rien. Aya et la sorcière n’a pas de souffle épique, de morale ou de grandes choses à nous apprendre sur la vie, ce n’est pas un film qui vous touchera. Sans doute parce que le film n’a pas cette ambition et ne l’a sans doute jamais eu. Après tout il s’agit d’un téléfilm, cela se ressent et se voit dès le générique de début. Parce que soyons honnête, il ne se passe pas grand chose dans le film et quand enfin il y a une avancée, le film se clôture. Ce dernier n’est pas forcément lent (quoique) mais il est assez vide. Une fois que notre héroïne quitte son orphelinat, son seul univers restera les murs de sa nouvelle maison dont elle ne sort presque pas. Son univers et donc celui du spectateur se résume à la cuisine, la salle de bain, le laboratoire et sa chambre. Ce n’est pas un hui-clos mais j’ai eu comme un sentiment d’enfermement et de vide. Les pièces ne sont pas vraiment décorées, bien que cela puisse s’expliquer dans l’histoire. C’est d’autant plus dommage qu’habituellement les décors des films du studio regorge de détails. Ici le contraste est flagrant. Il est possible que cette impression de platitude et ce final un peu abrupte s’expliquent lorsque nous regardons l’œuvre d’origine. Earwig and the witch (de son titre original) est un livre pour enfants que l’autrice a écrit à la fin de sa vie juste avant de décéder. Il est donc possible que le côté « abrégé » de l’histoire soit dû au fait qu’elle savait qu’elle n’en avait plus pour longtemps, d’où une conclusion rapide. En tout les cas, le film suit d’assez prêt le livre à quelques éléments près.

Le groupe de rock n’aura aucun intérêt dans le film

Plusieurs choses resteront sans réponses ou simplement pas claires, un comble dans un univers aussi petit. Pourquoi la mère d’Aya quitte le groupe de musique ? Parce qu’elle était enceinte ? Qui est le père d’Aya ? Aux vues des flashbacks, nous serions tenté de penser qu’il s’agit de Mandrake mais rien ne le prouve. Pourquoi c’est trois là formait un groupe ? Est-ce que ça fait partie du « devoir » des sorcières ? Dans ce cas quel lien avec le monde de ma magie ?

Il est possible de penser que la mère d’Aya ait quitté le groupe car elle se savait enceinte (qu’est-ce que cela implique dans l’univers des sorcières ?). Il est aussi possible de penser que les autres membres ne savaient pas celle-ci enceinte (pour cette raison qu’ils ne savent pas qui est Aya ou ne cherche pas la fille de leur amie) dans ce cas pourquoi est-ce leur voiture que nous voyons dès l’ouverture en train de poursuivre la mère d’Aya ? Pourquoi ne l’ont-ils plus chassé par la suite ? Comment c’est trois là se sont connus, nous ne le saurons jamais. A la rigueur ce point là n’est pas très important.

La relation Bella Yaga/Mandrake est sans doute celle qui intrigue le plus. Au départ on dirait un simple couple souhaitant adopter un enfant (c’est dans doute la seule raison de la venue de Mandrake, avoir l’air d’être en couple). Lorsque l’on connait enfin leur véritable nature, j’ai été tenté de penser que Mandrake était sous contrat avec Bella Yaga mais il n’en est rien. Cette dernière le craint (ou craint ses colères) et Mandrake semble avoir de l’ascendant sur elle puisque quand il lui demande de faire quelque chose elle le fait, même si c’est avec réticence. On peut donc se demander ce qu’ils fichent ensemble sous le même toit puisque chacun fait sa vie de son côté. Bella Yaga prépare des potions, tandis que Mandrake tente de percer en tant qu’écrivain, tout en continuant de jouer de la musique. Le seul moment où ils se croisent ces deux-là (plus Aya), c’est pour manger. D’ailleurs étant donné que les petits démons de Mandrake lui apportent la nourriture qu’il veut comme il la veut, pourquoi demander à Aya de cuisiner (sachant que cela ne sera jamais comme il le souhaite) ? Bref, beaucoup de questions sans réponses. Cela à tendance à m’agacer car je cogite beaucoup durant les films. Une fâcheuse manie certes, surtout la sur analyse, mais c’est aussi un avantage professionnel.

La question du statut des sorcières dans cet univers peut aussi poser question. D’un côté on a l’impression que c’est un mythe, de l’autre les gens sont conscients qu’elles existent. Bella Yaga est sorcière et c’est son emploi principal. Elle répond à des commandes diverses de petits maléfices à coup de potions et de sort pour faire gagner des compétitions par exemple. Ce sont des gens « normaux » (non sorciers) qui les lui achètent. Sorcière c’est donc un commerce de proximité. Il suffit de téléphoner comme on téléphonerait pour se commander une pizza.

Aya fait franchement des têtes bizarres

J’ai également un peu de mal avec le personnage principal. Non pas que Aya ne soit pas sympathique ou attachante mais j’avais du mal à la situer. De plus, c’est difficile de mettre le doigt sur ce qui me gêne. Elle n’est pas méchante. A la rigueur, si elle fait quelque chose de « mauvais » c’est plus en réaction à quelque chose. L’héroïne n’est pas non plus foncièrement gentille puisque ses actes de gentillesse sont souvent intéressés. « Si je suis gentille je pourrais plus facilement obtenir ce que je veux. » Elle est donc assez ambivalente, tout en étant têtue et maline. Ces derniers éléments sont des choses que l’ont retrouve souvent dans les œuvres avec des enfants pour des enfants. Ceux-ci même qui aiment parfois faire tourner en bourrique les adultes ou bien savoir contourner leur autorité. Je pense que ce qui m’embête vient de son statut d’esclave -littéralement-. Aya c’est l’enfant qu’on a adopté pour faire les tâches ingrates et trimer comme une bête de somme pour des clopinettes en restant enfermer entre 4 murs. Aya ne sort quasi jamais de chez elle. Elle ne se rebelle pas vraiment, essaie de profiter des avantages potentiels de son nouveau mode de vie. Certes elle ne se décourage pas mais sa situation n’évolue pas beaucoup et elle met du temps à la faire évoluer.

Aya est déjà une sorcière même si elle ne le sait pas. Cela vient sans doute expliquer son pouvoir de persuasion sur les gens. Son but c’est de mener tout le monde à la baguette, même ses ami.e.s. Ce qui fait que le personnage peut sembler manquer de sincérité.

Je finirais sur ce film avec son générique dynamique qui boost un peu le tout. Au final l’emballage comme le contenu n’était pas extraordinaire, toutefois, je n’ai pas eu l’impression d’avoir été déçu ou de m’être ennuyé. Juste que j’ai passé une soirée tranquille devant un petit film dont je me rappellerai pour son étrangeté, une sorte d’ovni, de test, de pas de côté du studio.

ps: je trouve qu’Aya a une meilleure tête les cheveu lâché.

Un été animé

C’est l’été, il fait chaud, on transpire…les corps brillent, les corps brûlent…

Hum. Plus sérieusement, cet été a été l’occasion de plusieurs séances dans les salles obscures pour regarder des films d’animations. Pas moins de 4 films, je suis allé voir. 4 films très différents qui vont du tranquillement frais pour l’été, à un peu remu méninge jusqu’à celui qui m’a donné envie de bouffer le siège avant tellement j’étais énervé, frustré.

Promare

Je n’ai aucune sympathie pour ces deux personnages.

 J’avoue je n’avais pas trop regardé de quoi ça allait parler, mais il y avait une forme de hype derrière (Trigger tout ça) donc j’y suis allé les yeux fermés, en me disant cool, un film d’action vitaminé pour passer un bon moment. GROSSE ERREUR. Je n’ai pas DU TOUT aimé Promare.
En disant cela, je ne fais sans doute pas des amis. Alors je vais essayer d’être plus clair. Je ne remet pas en cause l’animation, ni la proposition stylistique que j’ai apprécié et trouvé originale, même si ça pique un peu les yeux. J’ai aussi apprécié la musique, qui sans me laisser un souvenir impérissable, fonctionner bien avec les scènes d’actions.

Ce que je n’ai pas aimé c’est la narration, les personnages, la surdose de combats au point d’en avoir la gerbe et de décrocher, les discours simplistes et puants…
La séance a aussi été une expérience désagréable parce que j’avais une bande de mecs dans la rangée du dos dont l’un d’entre eux me filait des coups de pieds chaque fois qu’il décroisait les jambes. De plus, la salle sentait le brûler. Oui c’est très à propos avec un film comme Promare mais autant dire que j’étais pas super à l’aise.

Mais surtout le film m’a laissé un arrière goût de sous Gurren Lagann, et je n’aime pas Gurren Lagann (et je me suis rendue compte des années plus tard dans une intervention sur les mechas que j’étais pas seul). Je n’ai jamais compris l’engouement pour ce titre dont j’ai essayé de regarder plusieurs fois sans jamais dépassé la barrière des 4-6 premiers épisodes. J’y suis finalement parvenu en me motivant à mort lorsque je me suis mis à bouffer des animes de mecha par pack de 12 (qu’est-ce qu’on ferait pas pour la recherche…). Peut être qu’un jour je développerais plus en profondeur mon aversion pour cet anime. Mais quoiqu’il en soit, si je devais résumer : je trouve le discours de l’anime nauséabond, je trouve le discours de Kamina puant dans son hypermasculinité toxique et je trouve le personnage de Kamina détestable. Je savais depuis des lustres qu’il allait y passer et sa mort ne m’a pas ému le moins du monde. J’ai trouvé la seconde partie de la série plus intéressante que la première sauf qu’elle gâche son potentiel en donnant raison à des personnages débiles, parce qu’apparemment être un personnage sensé et réfléchi c’est trop naze dans cette série. Bref, les discours de Kamina avaient tendance à me hérisser le poil, imaginer ce que ça donne sur son sosie bon marché qu’est Galo. J’ai soupiré en roulant des yeux, tout en serrant les dents pour ne pas faire exploser ma frustration devant tant de…de…débilité. C’est même pas de la débilité marrante et décomplexée, ou pas prise de tête, parce que Promare m’a pris la tête au point d’avoir envie de me la frapper contre un mur.

On nous fait des présentations stylés de personnages qu’on ne développera pas (les gens de la brigade) et qui n’auront pas d’impact sur le scénario (ils seront là et puis c’est tout). Aina c’est une Yoko, low cost dont on garde le côté malaisant. Les plans fesses/poitrines sont-il vraiment nécessaire en 2019 ? C’est lourd, c’est gras, ça n’a aucun intérêt et ça plombe l’ambiance.

J’aime bien les scènes de combats mais c’est la première fois de ma vie que je trouve ça abominablement long. Ce temps perdu qui aurait pu servir à développer des personnages ou une intrigue cohérente. Mais non, tout dans le visuel et rien dans le fond. Sauf qu’être visuellement sympa, ça sauve pas un film. Pas de bol, j’ai plus 14 ans, j’ai acquis du goût, développer mon sens critique

Il n’y a pas de série Promare mais je peux comprendre le sentiment d’être largué sans rien comprendre. Le film a un fort goût de Gurren Lagann (que j’ai pas aimé) dans ses personnages (design comme certaines caractéristiques) et le traitement de l’intrigue. Le film fait encore moins dans la subtilité que GL, qui pourtant était pas bien fin. Même le discours de Lio, je le trouve…meh….simpliste. Et puis la tenu de Lio…je déteste les chemise à jabot alors ça n’aide pas à aimer le personnage. La présentation du début au sujet des burnish est assez bancale je trouve, de même que le rejet à leur encontre. D’ailleurs le héros, dont je me rappelle plus le nom (comme quoi..), avec son accent de Kamina qui aurait juste garder l’aspect très con (sans le discours viriliste puant) me sortait par les yeux. Le personnage d’Aina c’est le même principe que celui de Yoko dans GL donc c’était très malaisant . A la fin du film j’en pouvais plus de tout ce « over the top » que pourtant j’avais apprécié dans Kill la kill. Le film est très con, très fun etc. c’est fait pour, mais clairement pas pour moi. Et puis les délires méta sont très mal exploités.

La présentation des burnish est, à mon sens, très bancales. Au départ, on a l’impression que se sont des phénomènes aléatoires. Des gens s’énervent et ça s’embrase. Donc on pourrait presque dire que c’est pas de leur faute sauf que ça escalade et que ça empire au point que ça deviennent volontaire et qu’ils crament toute la planète. J’ai de ce fait un peu de mal de les voir comme des « pauvres victimes » alors que l’introduction ne les a clairement pas présentée comme des gentils. De plus, ce début de film se finit avec la terre en feu (on se demande d’ailleurs comment des gens ont survécu) et hop on passe à aujourd’hui où tout va bien dans le meilleur des mondes. Comment est-on passé de cette situation de fin du monde à celle « youpi-tralala tout va bien » ? Il manquerait pas une transition explicative ?

Je rajouterais pour enfoncer le clou le traitement désastreux de la seconde partie du film (attention informations pouvant dévoiler des parties de l’intrigue). On y apprend que la terre est foutue et que donc certains élus sont choisis pour monter à bord d’une grand arche pour s’échapper et tenter leur chance ailleurs. Soit. Problèmes : Outre le fait que c’est exactement la même histoire que dans la seconde partie de Gurren Lagan (pourquoi s’emmerder à avoir un scénar intéressant ? y qu’à c/c), les créateurs se sont dit que des enjeux moraux complexes ça servaient à rien donc on les enlève pour laisser plus de place aux combats car ça c’est le plus important ! (ndlr : Non)

Alors certes, comme je le disais, nous retrouvons cet aspect du scénario dans Gurren Lagann, notamment à travers le personnage de Rossiu. Celui-ci n’avait pas envie de faire toutes ces choses mais il se retrouvent à devoir faire des choix drastiques dans l’intérêt du plus grand nombre. Rossiu paie les pots cassés de la 1ère partie et essaie de sauver les meubles. Il n’a pas envie de faire ce qu’il fait mais il faut bien que quelqu’un le fasse quitte à ce qu’il passe pour le méchant. Cela rendait le personnage touchante et intéressant et donnait de la consistance à l’histoire.
Là non. Là on enlève tout les dilemmes moraux et la complexité, ce qui rend juste le plan très très con et le méchant (qui ressemble à un All Might de contrefaçon) fade à souhait.

Bref, je crois que ce film est rentré dans le top très sélect des film qui m’ont fait regretté d’avoir acheter une place de cinéma.

Wonderland

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Une affiche un peu fade, ce qui résume assez bien le contenu du film.

Si je devais résumer Wonderland je dirais sympathique…et oubliable. L’univers de fond est très coloré et très sympa, bien que très simpliste (ici le monde de la neige, ici le monde des sables,etc.). Cette simplicité n’est pas gênante parce que c’est un peu le but du film, on essaie d’aller à l’essentiel et puis c’est adapté d’un livre pour enfant donc ça reste un peu manichéen (Est-ce que le fait que ça vienne d’un livre pour enfant qui fait que les enjeux sont plats ?). Il n’y a pas vraiment de « vrai » méchant. J’ai tout de même apprécié l’univers présenté, les décors et surtout la vaisselle du maire dans le petit village moutonneux (coup de coeur).

Pour le reste soyons honnête l’héroïne ne sert à rien tellement elle est transparente et n’a aucun développement du début à la fin. Le film nous signifie un problème avec des camarades de classe mais c’est tellement mal amené et ça n’impacte tellement pas notre héroïne, qu’on ne voit pas pourquoi cela devrait nous toucher, nous, spectateurs. De plus, son rôle d' »élue » n’a pas l’air de la motiver ou de la démotiver et faire un vrai parallèle avec le prince. Celle qui tire plutôt la couverture à elle, c’est la cousine/tante (je n’ai pas bien compris je l’avoue) qui aurait pu être la vrai héroïne de l’histoire. Elle est dynamique et curieuse, c’est elle qui anime quelque peu le groupe sinon on s’ennuierait vite.

Autrement le film propose quelques beaux moments comme celui où le prince tranche l’eau pour transformer les gouttes en oiseaux. Le reste demeure très coloré. Si je n’ai pas passé un mauvais moment devant ce film. Une fois la séance finie, il ne reste pas grand chose du film en tête. Bref, Wonderland est sympathiquement oubliable.

Le mystère des pingouins

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Il faudrait arrêter de nous vendre les films d’animations japonais un peu étrange/écolo comme le nouveau Miyazaki.

Du lot de films vus, c’est sans doute celui que j’ai le plus apprécié car il est selon moi le plus équilibré.

J’ai trouvé le héros supportable pour un gamin, ce qui changeait de mon expérience de celui de Mirai ma petite soeur assez désagréable (le héros de Mirai…au secours). Quelqu’un m’a dit que l’on avait atténué/censuré son attrait pour les seins dans le film par rapport au roman, si c’est vrai je sais pas ce que ça peut donner dans l’oeuvre originale. Cet aspect ne m’a pas gêné outre mesure sans doute parce que cet attrait pour les poitrines je l’ai déjà vu auprès d’enfants du même âge. Cependant, l’approche était moins scientifique.

Le mystère concernant les pingouins est en lui-même assez vite résolu. On sait comment ils sont produits. Le tout est de savoir pourquoi, ce qui sera une partie de l’enjeu du film. J’imagine que le roman apporte un peu plus de précision (maintenant qu’il sera publié en français).

*ce qui suit contient des informations sur l’histoire*

En réalité, la seule chose que j’ai trouvé un peu flou tourne autour de l’assistance dentaire. Le fait qu’elle est crée des pingouins n’a pas l’air de la choqué outre mesure. Elle demande donc à notre héro d’enquêter sur son identité et le pourquoi elle crée des pingouins. A partir de là, il y a un point qui est un peu confus pour moi, à savoir si oui ou non elle sait qu’elle n’est pas humaine et la raison pour laquelle elle lui demande d’enquêter. Au départ, nous avons l’impression qu’elle ne sait rien. Pourtant plusieurs moment de l’intrigue laisse supposer qu’elle sait ce qu’elle est et la raison de sa venue puisque nous la voyons s’interroger sur ses souvenirs d’enfance (étaient-ils vrai ?) et agir comme si elle en savait plus. Dans ce cas, si elle sait, pourquoi demander au héros d’enquêter ? Sinon il n’y aurait pas eu de film vous me diriez. C’est pour cela que je trouve cette base qui fait en partie le fond de l’histoire un peu confus. Soit elle ne sait rien (mais prend tout avec désinvolture), soit elle sait tout (mais dans ce cas pourquoi ne rien dire ?), soit elle ne savait pas jusqu’à ce que cela lui revienne (mais dans ce cas, si elle sait ce qui ce trame pourquoi ne rien dire ?)

Il n’en reste pas moins que le mystère des pingouins est un bon divertissement avec une intrigue sympa.

Les enfants de la mer

Disons le de suite je n’ai pas lu le manga d’où le film est tiré. Est-ce que le film est compréhensible sans cet apport ? oui, bien que j’ai senti que le support papier devait apporter et développer plus d’éléments et de personnages. En effet, certains personnages, on l’air intéressant dans le film mais ils ne servent au final pas à grand chose. A part attendre. De même, l’histoire des parents de l’héroïne est sans doute mieux aborder et plus explicitée. Je pense notamment aux parents de l’héroïne. Au départ j’ai cru qu’ils étaient divorcés/séparés alors qu’ils sont toujours mariés. La mère se noie dans l’alcool suite à un accident mais les raisons de leur distanciation n’est pas très claire et leur réconciliation expédiée.

Une chose m’aura fait tiqué, c’est le traitement subit par l’héroïne au début du film. Elle est clairement rejetée par ses camarades qui s’en prennent à elle. Et quand elle blesse accidentellement l’une d’entre elles, cela lui vaut l’exclusion et une demande d’aller s’excuser platement auprès de celle qui, quelques minutes avant, lui pourrissait la vie. J’ai trouvé cela complètement injuste, surtout que notre héroïne ne peut même pas se défendre. A la fin du film, elle ira s’excuser et tout rentrera dans l’ordre, les filles deviendront amies. Ok donc elle doit s’excuser de s’être fait harceler ? mais what ? je ne sais pas quel message est véhiculé ici mais j’avoue que cela m’est resté en travers de la gorge.

J’ai lu à plusieurs reprises que le film était difficile à appréhender car trop métaphysique. En réalité, il est d’une extrême simplicité. Sa compréhension ne passe cependant pas par des mots mais par les sensations véhiculées par le film. On comprend sans avoir besoin d’expliquer par des mots. Je dirais donc que du lot c’était le plus beau à voir et celui qui m’a fait ressentir le plus de chose. Et toute cette eau, même de la voir ça rafraîchit en plein été.

Pour conclure, l’été a donc foisonnant en films d’animation japonais aux styles et aux univers variables qui vont du agréable au moins bon. En espérant que les années suivantes soient aussi fastes.

La rose de Versailles, suite et fin ?

Lorsque Kana a annoncé la publication de la suite de La rose de Versailles, j’avoue avoir été partagée entre joie et appréhension. Il y a effectivement de quoi s’interroger sur l’utilité d’une « suite » 40 ans après la fin de la publication, tout en sachant que l’autrice, Riyoko Ikeda, avait lâché le crayon et la plume pour se reconvertir vers une carrière musicale.

Sa venue à Angoulême, il y a quelques années, démontrée qu’elle n’avait jamais complètement tourné la page et était toujours prompt à évoquer sa carrière et ses œuvres.
Néanmoins, La rose de Versailles était une oeuvre conclue et terminée sans fin ouverte. La dernière édition en date fut publiée chez nous en deux gros pavés, avec un troisième en bonus qui possédait un ton plus bon enfant et humoristique, en partie dû à la nièce de Oscar : Loulou. Un dernier tome qui se lisait sans déplaisir et dont le ton changeait radicalement des drames vécus par les personnages précédemment. C’était aussi l’occasion de finir sur une note plus joyeuse et optimiste.

Une suite utile ?

A partir de là que vaut ce quatrième tome et où se situe-t-il ? Le contexte nous est donné rapidement en introduction, quand Ryoko Ikeda explique qu’il est question d’histoires qu’elle a toujours souhaitaient racontées. Il s’agit là d’un élément commun à chaque auteur, vouloir raconter les petites histoires qui ont accompagné la grande, nous dire ce que sont devenus tous ces personnages (secondaires) auxquelles nous nous sommes attachés.
Oscar et André ne sont donc plus au centre de l’attention, leur histoire ayant été racontée, de même pour Marie-Antoinette. Néanmoins, ces derniers restent présent puisqu’ils nous aient montré comment ceux-ci ont marqué la vie des personnes qu’ils ont pu côtoyer. A l’exception d’une histoire qui revient sur les conflits d’Oscar, oscillant entre son statut de femme du XVIIIe et de militaire. Ainsi donc, nous verrons Girodelle, Axel de Fersen et sa sœur, les parents d’Oscar, Rosalie et Bernard, Alain, ou encore Marie-Thérèse de France. tous ces personnages s’entrecroisent et se mêlent à la grande Histoire qui parfois les dépasse.

Un style graphique reconnaissable

Au niveau du style, je dirais que l’on sent toujours la pâte « old school », néanmoins, j’ai pu constater à la première lecture que le style de l’autrice avait changé. Loin d’être maladroit, je dirais qu’il est plus pausé, plus fin, plus précis. Il y a moins cet effet froufrouteux et 70′ que l’on pouvait ressentir dans l’oeuvre d’époque (ça a aussi son charme). Je dirais également que la mise en page est plus carrée. Là où, dans ces précédents travaux, notamment Très cher frère, chaque page était une recherche graphique qui mettait en avant les sentiments des personnages et les exacerbés, ici l’ensemble est beaucoup plus sobre. Les cases sont moins déstructurées, les décors plus présents et fournis. Les personnages pleurent toujours mais de manière digne, discrète. Si la lecture est toujours plaisante, on sent moins l’ardeur de la passion romantique qui animait les personnages. Fini également les petites scénettes humoristiques et les petits effets de styles de l’époque. Même Loulou, qui en était pourtant l’essence même, passe aux cribles de la maturité sans se départir de son franc parler. Certaines scènes sont mêmes reprises mais offrent un sentiment plus nostalgique et mélancolique.
J’avoue avoir eu cependant quelques difficultés, à certains moments, pour différencier les personnages (entre le Général de Jarjayes jeune et François 1er, à part les sourcils….), les dames notamment arborant souvent les mêmes toilettes et coiffures. Il reste néanmoins un petit côté Candy lorsque nous voyons Marie-Antoinette jeune.

Si l’on revient sur la jeunesse et le parcours de certains et certaines, comme Girodelle et les parents d’Oscar (où d’ailleurs on apprend que sa mère est affiliée au peintre De La Tour -Georges pas Quentin-), une grande partie de l’histoire se déroule après celle principale dans les tumultes de la terreur et l’arrivée de Napoléon.
J’ajouterais également que l’Histoire est également plus présente. De son poids, elle écrase les personnages qui sont ballottés par elles. Les souverains, les dirigeants, les guerres s’enchaînent sans qu’aucun n’ait vraiment d’emprise dessus. Des personnages comme Marie-Thérèse, le père d’Oscar ou encore Axel de Fersen subissent les événements et les conséquences de décisions qui ont été prises pour eux ou indépendamment d’eux. L’autrice prend néanmoins toujours soin d’insérer le contexte historique avec des personnages dont elle ne peut guère réinventer la vie.
Le drame n’est cependant jamais loin et certains personnages s’en iront vers la mort sans que l’on puisse rien pour eux.

Que dire donc pour conclure ? Ce quatrième tome, qui regroupe toutes les histoires publiées entre 2013 et 2018, n’était pas une suite attendue. D’ailleurs, il ne s’agit pas à proprement parler d’une suite et je serais plus enclin à qualifier ce tome de nostalgique que de purement fan service (au contraire du troisième tome). Toutefois, ce fut une belle surprise venue d’une oeuvre qui a garder tout son charme et sa force. Elle est sans doute plus assagie, mais La rose de Versailles est comme le bon vin qui se bonifie avec le temps. C’est donc un tome que j’apprécie et qui fait vibrer la fibre nostalgique et mon amour des « vieux » shojos, d’autant plus qu’il n’est pas certain que nous ayons le plaisir de voir Riyoko Ikeda dessiner à nouveau.

Zetsubou Baby : le harcèlement c’est cool

Derrière ce titre quelque peu putassier, veuillez me pardonner, se cache une réflexion de fond sur des pratiques et des comportements que je retrouve régulièrement chez des personnages de manga, généralement masculins, fortement discutable, voire carrément nauséabond.

Quand j’étais ado, je lisais beaucoup de shonen mais pas tellement de shojo. C’était pas vraiment ma tasse de thé (exceptés les mangas de Yuu Watase) et le magazine de prépublication français Magnolia orienté « filles » n’aidait pas non plus avec ses rubriques beauté/cuisine entre deux chapitres. Néanmoins, mon goût pour le shojo manga est venue petite à petit, sans doute parce que je suis tombé en amour avec les adaptations des années 70/80 qui étaient rediffusées sur nos écrans. Quoiqu’il en soit, j’en suis venu aux mangas, malgré le fait que j’ai finie par apprécie le genre, j’ai fini par devenir très critique en même temps que mes goûts évolués. Bien que certains titres soient très sympas, je trouve que ce que l’on nous propose en shojo manque cruellement de diversité -alors qu’il en existe- mais surtout recyclent les mêmes clichés. Certains fonctionnent encore sur moi, parce que je dois sans doute être au fond un coeur d’artichaut, mais d’autres me semblent provenir d’un autre siècle complètement rétrograde. Je vois le manga, et par extension le shojo, comme un loisir, tout comme un divertissement et une passion. Cependant, le manga a montré qu’il pouvait être plus que cela, il pouvait ouvrir à la culture au sens large et inculquer aux gens de valeurs comme l’amitié, le courage, l’entraide etc…

Néanmoins, j’éprouve des doutes face à certaines œuvres dont les personnages ou l’histoire me font plus que tiquer. Parfois, je pardonne à un personnage ses défauts parce que je suis faible ou que l’auteur sait si prendre pour me faire croire que c’est pas si grave et que dans ce contexte ci, ça passe. Toutefois, il y a des cas où cela n’est pas pardonnable. Comme je l’ai évoqué plus haut, le manga peut inculquer, influencer, volontairement ou non. Sans aller jusqu’à dire que les ados sont des êtres décérébrés, je pense que certains sont capable de recul et de faire preuve de jugement, certains sont influençables. Le fait qu’un comportement « anormal » soit jugé acceptable et normal par l’auteur, peut être ensuite perçu et assimilé comme normal et acceptable par le lecteur. Dans le cas du shojo, il existe plusieurs clichés et je ne vais pas tous les détaillés. Il y  en a un qui revient souvent c’est celui de l’odieux connard populaire. Vous savez le type qui traite l’héroïne comme de la merde, voire comme d’un objet dont il dispose, qui parfois par un twist scénaristique fumé en fait son « esclave » ? Mais comme apparemment l’adage nous dit que les femmes aiment les connards, l’héroïne finira par en tomber amoureuse et révéler la couche de guimauve qui se cache sous le pervers narcissique. Je suis sure que chacun de vous à un exemple qui lui vient en tête….

Bref, cette longue introduction pour dire qu’un beau jour, je suis tombé sur Zetsubou Baby et que c’est la goutte d’eau qui a fait déborder le vase.

En même temps, la couv’ du 1er volume m’avait prévenu du contenu…

Mais de quoi ça parle au juste ?

Zetsubou baby est un shojo manga bouclé en 2 tomes et dessiné par Hina Sakurada. L’héroïne de l’histoire, Kasumi, est une jeune fille tout ce qu’il y a de plus banal qui n’a pas vraiment d’amis et, HORREUR, pas de copain. Bref, elle vivait tranquillement dans sa solitude jusqu’au jour où elle ramasse le mouchoir du beau gosse ultra riche et populaire  et accessoirement odieux connard, de sa classe ce qui attirera l’attention de ce dernier pour la pauvre malheureuse. A partir de là, il va se mettre à la poursuivre de ses assiduités. Et quand je dis poursuivre, c’est vraiment poursuivre, partout, où qu’elle aille….

Je crois que je n’ai jamais vu héroïne plus effrayée et le regard figé dans l’horreur à chaque case que celle-ci. Nous avons droit à tout les clichés : baiser forcé, plaquage contre le mur, menace, chantage, kidnapping, tentative de viol….la totale. Mais vous comprendrez chers lecteurs que tout ceci est normal car fait au nom de l’amour. L’amour c’est très pratique.

Kasumi n’a au départ pas grand chose pour elle. Elle est banale, jolie mais sans plus. On ne l’a remarque pas. Apparemment mise au placard par ses petits camarades au collège, elle a vite développé des difficultés à se faire des amis et a sociabiliser. Le lycée est pour elle l’occasion d’un nouveau départ, qu’elle rate malheureusement. Son manque cruel de confiance en soi, la fait se mettre à l’écart volontairement et ce ne sont pas ses camarades qui iront l’aider à sortir de sa coquille car ils sont inexistants dans l’histoire. Jusqu’à ce que « boum » entre le personnage masculin. Tout les clichés sont réunis : beau gosse (l’auteur aimera nous montrer ses pec’ de bel éphèbe), riche à un point où s’en est ridicule (je prend mon petit déj’ en Corée et j’arrive avec mon jet privé pour la 1h de cours), les filles qui lui bavent dessus parce que…euh…voilà, un sens des valeurs qui n’est pas celui du commun des mortels (un kebab foie gras à 1300€ c’est donné) et un comportement égoïste justifié parce que le pauvre il est riche et les enfants riches c’est forcément pourri gâtés.

A peine le premier chapitre entamé que l’on nous présente ce beau jeune homme comme imbuvable et imbu de sa personne. Juste parce que l’héroïne lui a rendu son mouchoir plié (geste fait par pur automatisme) sans ce soucier de qui il est, il décide qu’elle sera sienne. Sa « femme », la manière dont la scène est décrite ne permet pas de tendre le terme vers le sens d’épouse mais plus celui d’objet : « you will become my woman ». Juste avant que cette dernière s’enfuit de peur et qu’il la poursuive en parlant d’elle comme d’une « cible » qu’il ne faut pas laisser échapper et qu’il faille capturer. Il est d’ailleurs près à envoyer une 50taine d’hommes à sa poursuite -ce qui lui vaut quand même un reproche sur le fait qu’il risque de se faire arrêter avec de telles pratiques- (Non tu crois ?! et dire que ce passage est traité sur le ton de l’humour, un peu par dessus la jambe).

Il passe son temps à l’insulter, la traiter d’idiote et autres joyeusetés. Décide à sa place : il décide unilatéralement qu’elle sera sa copine car elle est sa femme idéale -alors qu’il ne la connait même pas et qu’elle n’est pas spécialement pour-, lui achète des vêtements, décide de ce qu’elle va porter, lui dit quoi faire….

Sans oublier toutes les belles phrases qu’il lui sort, censées être d’un romantisme profond…

« Même si je meurs tu ne t’échapperas pas. Sors avec moi et je te rendrai heureuse. » : Tu as deux options mais en réalité je ne t’en laisse qu’une seule. Tu resteras enfermée jusqu’à ce que tu dises oui.

« Si tu essaies de t’échapper je t’enfermerai ici, peu importe combien je t’aime » : Rends-toi compte de ce que je suis obligé de faire par amour, ça me fait mal, c’est de ta faute.

La raison pour laquelle il s’intéresse à elle, est parce qu’elle ressemble à son héroïne de drama préféré et qu’il aime les femmes douces et calmes (pures et naïves). Le personnage « l’aime » non pas pour elle, pour sa personnalité mais pour l’image qu’il s’en fait, l’image qu’il lui plaque dessus alors qu’elle essaie désespérément de le convaincre qu’elle n’est pas cette personne.

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Il y a, à partir de là, tout un paradoxe : il dit l’aimer parce qu’elle représente un idéal de beauté féminin douce et docile, tout en lui reprochant son manque de confiance en elle et le fait qu’elle ne s’affirme pas assez, en la dévalorisant. On sait tous qu’insulter les gens les aide à se sentir mieux….

C’est lui qui l’a harcèle, c’est elle qui s’excuse de ne pas être plus sympa, plus ouverte, plus compréhensive…un comble. L’auteur tente dans chaque chapitre, l’espace de quelques cases de nous faire croire que le personnage masculin est au fond un mec sympa qui n’attend seulement qu’on le comprenne. Il aide l’héroïne à s’occuper des plantes du lycée, il aime donc les plantes, les plantes c’est sympa, il est donc sympa CQFD.

Sans oublier le harcèlement sexuel et la tentative de viol. Ah cet instant classique dans le shojo où un garçon et une fille se retrouve seuls et où, par un malencontreux hasard, ils se retrouvent l’un sur l’autre. L’instant sexy par excellence, sensé émoustiller les lectrices et lecteurs. C’est tellement excitant quand un homme qui vous fait peur vous tombe dessus et vous dit qu’il va vous faire des choses en se passant négligemment la langue sur les lèvres de manière pas du tout entendu.

En passant par l’épisode où l’héroïne se retrouve déshabillée de force par un méchant qui en veut au « héros » et à décider de s’en prendre à sa copine qui n’a rien demandé… Je n’aime pas du tout que le viol soit utilisé comme une facilité scénaristique qui tient plus ici de la paresse et du cliché que d’un véritable choix de la part de l’auteur. Cette scène n’a pas d’incidence, à part celle de mettre l’héroïne en position de faiblesse et de demoiselle en détresse et de valoriser le protagoniste masculin qui vole à son secours. Le viol ou toutes agressions sexuelles, ce n’est pas quelque chose d’anecdotique qu’on met dans une histoire l’espace d’un chapitre sans plus jamais y revenir plus tard. Ce n’est pas non plus quelque chose qui doit être là pour émoustiller le lecteur/rice.

Les sentiments les plus souvent exprimés de la part de l’héroïne envers le personnage masculin sont la peur, le stress et non l’amour. Hina Sakurada la dessine comme ça presque tout le temps, presque toute les fois où elle est en contact avec lui. Résultat, je me demande quel est le but de la manoeuvre. Tout ces passages m’ont mise mal à l’aise et il semblerait que cela soit le cas d’autres personnes qui ont lu ces passages. Pour moi, ces expressions n’ont rien de drôle, elles ne participent pas au comique de situation. Elles ne la rendent pas non plus attrayante. Pourtant, tout le reste est caractéristique du shojo. Seulement les phrases sonnent creux dans la bouche des personnages.

La gestuelle du héros n’aide pas non plus. Nous avons droit au fameux trope du Kabe don, vous savez ce moment où le garçon plaque la fille au mur…

Mais au final, je ne sais pas ce qui fait le plus peur : que ce titre compile tout ce que j’exècre ou que les gens qui ont lu ce titre le trouve bien ? Parce que oui,  des gens amateurs de shojo ont lu et aimé cette histoire. En fouillant sur le net pour avoir des avis, ce que j’ai pu voir c’est que globalement : le titre est trop court (encore heureux une douzaine de tomes comme ça n’aurait été idéal que pour une flambée dans une cheminée un long soir d’hiver), l’histoire est romantique, les personnages mignons, ils vont bien ensemble et sont fait pour l’un pour l’autre. Allo ??? On a bien lu la même histoire avec du harcèlement sexuelle à chaque page ? c’est justement le problème que je soulevais en début d’article : le fait que les gens trouvent ces comportement normaux et les cautionnent parce que c’est une histoire d’amour. Je ne sais pas si c’est la vision réelle de l’auteur, si elle dessine ce que le lectorat souhaitent voir ou ce que son éditeur lui demande mais une chose est sur Zetsubou Baby n’est en aucun cas une histoire d’amour. En tout les cas, ce n’est pas une relation romantique saine.

Comprenez moi bien, je n’ai rien contre les héroïnes lambda, en manque de confiance ou victime de harcèlement (Life). Je n’ai rien contre les beaux garçons ou les garçons avec un visage un peu effrayant, ceux avec un mauvais caractère (Takane & Hana) ou les personnages riches qui vivent dans un château doré loin des réalités (Takane & Hana, Ouran host club). Pas plus que pour les personnages qui tombent amoureux au premier regard (Honey & Clover) ou qui décide de conquérir l’être aimé (Honey & clover, limited lovers). Je ne suis pas contre le fait qu’un personnage (masculin ou non) aide le personnage principal (homme ou femme) pour qu’il tente de s’affirmer, même s’il emploie des méthodes pas forcément douces.

Mais tout dans ce manga ne fonctionne pas sur moi. Pourtant Hina Sakurada semble respecter scrupuleusement le cahier des charges.

Non ce qui me gêne c’est la manière dont Zetsubou Baby est raconté au point de faire ressortir tous les défauts du shojo en pire. A tel point qu’on pourrait presque croire qu’il s’agit d’une parodie.

Ce n’est pas parce qu’on saupoudre de paillettes de la merde que ça en fait de la meringue aux éclats de caramels, ce n’est pas non plus parce que l’emballage est rose bonbon que ce qu’il contient est forcément génial.

Ceci pour dire que j’apprécie le shojo, vraiment, mais parfois certains titres me rappellent à la réalité. Notamment sur le fait que pour toutes ces héroïnes il y encore du chemin à parcourir, loin de tout ces tropes et clichés désastreux montrer comme des modèles d’amour.

Bref, je ne vous conseille pas cette lecture sauf si vous souhaitez vous faire un avis par vous même. Dans ce cas, revenez par ici dire ce que vous en avez pensé.

Et ils vécurent heureux jusqu’à ce qu’elle aille porter plainte pour violence conjugale

Tu n’as rien vu à Fukushima

Il y a quelques mois, je présentais un travail consacré aux mangas évoquant la catastrophe du 11 mars 2011.
Pour cela j’ai dû faire un long travail de recherche en amont afin de ne pas partir de rien et d’avoir un matériau de base solide. S’en est suivi une longue liste de ce qui avait été publié sur le sujet : romans, essais, poésies, témoignages, rapport de commission d’enquêtes…en plus des mangas publiés par chez nous. Je me suis surtout concentrée sur qui avait été publié en France, en français. Au moment où j’écrivais il n’y avait en parution mangas que :

• Je reviendrais vous voir
• Japon 1 an après
• Les cerisiers fleurissent malgré tout
• Santetsu – 11 mars 2011 – Après le cataclysme
• Daisy lycéennes à Fukushima

Depuis se sont rajoutés :

• Colère nucléaire
• 1F au coeur de Fukushima

Je mettrai donc ces deux derniers de côtés, ainsi que Santetsu car je ne l’ai pas lu. En lisant ces ouvrages je me suis rendue compte d’une chose : à part Daisy, dont c’est le thème principal et brièvement dans Les cerisiers fleurissent malgré tout, pas de mention de Fukushima, pas de mention du nucléaire. Une seule histoire l’aborde dans Japon 1 an après, une autre aborde le nucléaire dans ce même ouvrage mais seulement la bombe d’Hiroshima.

Daisy a ses postfaces rédigées par, des français. Japon 1 an après est une collaboration franco-japonaise, Les cerisiers fleurissent malgré tout est dessiné par une mangaka vivant et travaillant en Europe depuis plusieurs années.

Il en va de même pour les livres : Le dernier homme de Fukushima est écrit par Antonio Pagnotta, Fukushima : récit d’un désastre est la retranscription de ce que Michaël Ferrier a vécu, nous trouvons aussi Daniel de Roulet avec Tu n’as rien vu à Fukushima ou encore Fukushima mon amour de Gérard Raynal, Un pompier français à Fukushima de Sébastien Donner, Fukushima les cerisiers en pleurs de Yann Lemah, Malgré Fukushima : Journal japonais d’Eric Faye….une grande partie des ouvrages parus en français sont écrit par des européens (français). Ceux-ci s’attardent sur Fukushima, la catastrophe et parfois le nucléaire. De plus, une majorité d’articles que j’ai pu lire, et qui traitent du 11 mars, ont été écrits par des européens.
Je ne dis pas que rien n’a été écrit par les japonais à ce sujet en littérature, on peut trouver par exemple : ô chevaux, la lumière est pourtant innocente de Hideo Furukawa, Journal des jour tremblants de Yoko Tawada, Mille cercueils : à Kamaishi, après le tsunami du 11 mars 2011 de Ishii Kota…mais la production d’ouvrages écrit par des japonais, traduit et publiés en français est moindre.

Dans le cas d’un travail de recherche, cela posait problème car il fallait avoir le point de vue des 1er concernés à savoir : les japonais. De plus, il me semblait plus judicieux d’avoir un regard moins « européano-centré », même si cela peut être intéressant d’avoir une vision occidentale sur un sujet qui ne l’est pas (on est en plein orientalisme).

Plusieurs questions sont donc naturellement venues : Où sont donc les japonais ? N’ont-ils rien écrit sur le sujet ? N’ont-ils rien à dire ?
Pour en revenir aux mangas étudiés, ces derniers m’ont aussi montré qu’il n’y aucun avis ou critique personnelle : Daisy est une histoire fictive basée sur les témoignages de lycéens rencontrés par l’autrice, Je reviendrai vous voir n’est pas l’histoire de George Morikawa (alors qu’il est lui aussi allé en zone sinistré) mais celle de Nobumi, aucune histoire de Japon 1 an après ne sont des histoires que les auteurs ont personnellement vécues (à part la 1ère qui retrace vaguement ce que l’auteur a ressentie lors du tremblement). Mais tous semblaient mettre un point d’honneur à dire que ce n’était pas eux dans leurs histoires, bien que les courts textes qui accompagnent souvent celles-ci dévoilent ce qui les a marqués. Généralement, il s’agit du tremblement de terre, peu de trace du nucléaire. A croire qu’il n’y a que les européens que le nucléaire intéressent, alors qu’on parle bien d’une « triple catastrophe ».

Néanmoins, lors de ma recherche je suis tombé sur L’archipel des séismes, un recueil dans lequel on y trouve des intellectuels, aussi bien français que japonais, évoquer la catastrophe sous ses divers aspects. Il est intéressant du fait que les textes ne s’arrêtaient pas juste au vécu/ressenti du 11 mars mais se penchait sur tout ce qu’il y avait autour.

J’ai eu l’occasion de discuter avec Cécile Sakai qui est une des personnes qui s’est chargée de réunir ces textes afin de publier l’ensemble chez nous. Elle m’expliquait que les SHS* au Japon ne sont pas abordées de la même manière qu’en France et que contrairement à ce qu’on pourrait croire, beaucoup de choses ont été écrites sur ce qui s’est passé le 11 mars et sur les problématiques liées au nucléaire. Si nous ne les voyons pas en France c’est pour plusieurs raisons :

• Déjà la traduction. Traduire un texte scientifique (ou non) demande du temps, à cause de la complexité des sujets que certains abordent. Comme indiqué plus haut, les SHS ne sont pas traitées de la même façon dans nos pays.
• Réunir ces textes pour les sortir demande également du temps.
• Le tri. A la foisonnante production japonaise que cela soit au niveau manga, roman, texte scientifique….la France a le loisir de pouvoir faire le tri. Si cela permet de séparer le bon grain de l’ivraie, de découvrir des perles, des auteurs qui méritent plus d’attention, on n’échappe pas à quelques bouses. Néanmoins, faire le tri permet également à la France de ne montrer que ce qu’elle veut bien montrer du Japon et de ne voir que ce qu’elle a envie de voir. Cela m’a rappelé une intervention à laquelle j’avais assisté qui évoquait le développement des arts venus d’Asie, l’Inde notamment, dans les biennales d’art contemporain. En gros, les pays européens n’achetaient que les œuvres qui leur plaisaient et qui partageaient leurs points de vus. C’était donc oublier toute une production -parfois majoritaire- de l’art dans certains pays d’Asie (ou d’ailleurs) qui traitent de sujets que l’Europe ne veut pas voir. En Inde, il s’agissait par exemple d’art qui valorise certaines coutumes ou systèmes qu’ici nous trouvons rétrograde comme les castes. Il en va de même avec la BD, lorsque j’ai vu un auteur parler de son voyage à Tchernobyl afin d’en tirer un album à la demande de son éditeur. Ce qu’il a vu là bas c’était des gens joyeux, une nature luxuriante…qu’il a retranscrit en couleur, une vision trop radieuse pour son éditeur qui voulait du gris. Certaines catastrophes doivent restées solennelles et graves. Pareil pour les mangas, personne ne veut d’œuvres révisionnistes, de manga qui nous disent que le nucléaire c’est pas si grave ou d’œuvres traitant du sujet avec ironie et humour noir. Pourtant ça existe.
  Qui a envie de voir Moto Hagio parler de Tchernobyl et le mettre au même niveau que Fukushima dans Nanohana ? Qui a envie de voir le Plutonium prendre forme humaine et parler de sa beauté rayonnante sur l’humanité dans Pluto Fujin ?

Bref, tout ça pour dire que si certains titres ont été publié en France (manga/roman), beaucoup de choses sur le sujet lié au 11 mars ne le seront jamais pour des raisons diverses. Il existe beaucoup de matériau sur le sujet mais encore une fois -et c’est regrettable- il faut maîtriser la langue japonaise, ce qui laisse l’accès à certaines informations qu’aux japanophones.

 

*SHS : Sciences Humaines et sociales

Crédit image de la une : Greg Webb / IAEA (photo prise le 17 avril 2013)

Thunderbolt Fantasy

Je sais que plusieurs mois se sont écoulés depuis le dernier billet. Je n’ai malheureusement pas autant de temps libre que je le souhaite mais j’ai néanmoins quelques billets en réserve sous le capot qu’il reste encore à peaufiner. Avant cela une petit réaction à chaud sur une série que j’ai suivie avec beaucoup d’engouement tel que je n’en avais pas connu depuis longtemps.

Pour être honnête, je ne m’attendais pas à voir Thunderbolt Fantasy : les pérégrinations d’une épée en extrême orient débarquer chez nous en simulcast. L’annonce d’une série de fantasy avec des marionnettes avait déjà attisé ma curiosité alors la voir arriver chez nous, c’est un peu comme Noël avant l’heure.

Pour celles ou ceux qui n’en auraient pas entendu parler, il s’agit d’une série en 13 épisodes de 23 min environ qui narre les péripéties d’un groupe hétéroclite en quête d’une épée au pouvoir immense, dérobée dans un temple à une jeune prêtresse et son frère par un odieux vilain.

Apparemment, la série a beaucoup divisé. Déjà sur le plan de sa qualification : s’agit-il d’animation ou pas ? Je ne vais pas entrer dans le débat, bien que si on s’en tient au sens large du verbe animer il s’agit de « donner vie ». Pour ma part je suis habitué depuis l’enfance à divers techniques et procédés d’animation (2D,3D, rotoscopie, stop-motion, peinture, sable, papier découpé….) alors voir des poupées bouger grâce à l’aide d’un maître marionnettiste ne m’a pas choqué. Par contre pour certains animes fans, que j’ai pu croisé sur les forums, l’animation ça se résume à de l’animation japonaise en 2D, éventuellement 3D (ce qui est fort dommage). La série ne également m’a pas gêné car j’ai grandi en regardant les sentinelles de l’air aka Thunderbirds en VO (oui j’ai grandi dans les années 60′) et en regardant Team America (FUCK YEAH!! -ahem-).
L’autre point qui a fait beaucoup parlé de lui, semble-t-il, est l’animation même des marionnettes. Pour beaucoup ça n’est pas passé, souvent qualifié de moche ou de saccadé. Alors que pour d’autres, ça a été un vrai bonheur de voir quelque chose de différent.
Pour ma part, je salue la qualité de l’ensemble. Les marionnettes/poupées sont superbes tant au niveau de leurs costumes, que de leurs coiffures, leurs accessoires…et ces cils ! Mon dieu ces cils ! Je renomme officiellement Mie Tian Hai aka la mort rampante aka le grand vilain, Lord Maybelline. Les marionnettes n’ont au final que peu d’expressions faciales : elles peuvent ouvrir et fermer les yeux, et vaguement ouvrir la bouche. Tout tiens donc en 2 choses : la gestuelle, surtout des mains, pour ne pas paraitre trop statique (et elles bougent beaucoup) et la performance vocale qui arrive à très bien retranscrire les émotions des protagonistes.

Après le début de la série je me suis penché un peu plus sur les personnes derrières. Thunderbolt fantasy est une production née d’une collaboration japonaise et taïwanaise entre Pili (très connu apparemment chez eux) créateur de série wuxia avec poupées et Gen Urobuchi pour le scénario,  Nitroplus pour le design des personnages, Good smile company, à la musique Hiroyuki  Sawano et T.M.Revolution pour le générique.
Pili s’est apparemment chargé de toute la partie filmique et manipulation des marionnettes (puisque c’est leur fond de commerce). Pour le coup je suis allé voir ce qu’ils avaient fait précédemment. Visuellement leur style a évolué avec les années pour devenir plus fin et détaillé (même si certains personnages ont tendance à se ressembler selon moi). Je dois dire que comme je ne lis, ni ne comprends le chinois, je suis bien en mal de donner une liste concrète des séries produites par la firme de ce que j’ai lu il n’y a qu’une seule série « Pili puppet show » qui tourne depuis des années à la TV. C’est une sorte de plus belle la vie version arts martiaux et marionnettes.
A part PiLi Xia Ying: The Decisive Thunderbolt avec ses personnages bien classes, le film Legend of the Sacred Stone (qui est le plus connu car il semble avoir été projeté sur le sol américain), The ARTI: Enigma of the Ancient Lop, 3D PiLi Adventure: Agent 519 – The Young Swordsmen… je ne peux pas en dire grand chose et surtout je n’ai pas réussi  à trouver leur production en VOST. Je ne pourrais donc pas non plus commenter sur le contenu, bien que j’ai pu lire une fois que la présence de Gen Urobuchi sur Thunderbolt était la bienvenue car les productions de Pili était certes belles mais assez plates niveau contenu.

Enfin pour la blague Pili a eu droit à sa bouteille de beaujolais nouveau….

 

Shāng Bù Huàn héros malgré lui

*attention ce qui suit peut potentiellement contenir du spoiler*

Bien que la série laisse au début croire que nous allons suivre Dan Fei, c’est en réalité Shang le véritable personnage principal. Je dois avoué que l’intrigue est relativement simple puisqu’une bonne partie des épisodes est une ligne droite pour aller directement au manoir du grand vilain récupérer l’épée volée. On pourrait résumer simplement : formation du groupe en récupérant les divers protagonistes, traverser les 3 épreuves qui mènent au manoir, arriver au manoir tataner le méchant. Dans le fond, rien de nouveau sous le soleil niveau intrigue. Idem niveau personnages : la prêtresse douce et pure, la démone femme fatale, le petit jeune surexcité en quête de reconnaissance, son mentor calme et posé, le voleur qui en sait plus qu’il ne le dit, le guerrier en quête de l’adversaire ultime et pour finir le gars qui n’avait rien demandé et qui se retrouve embarqué bien malgré lui. En somme des personnages que l’on a pu croiser ailleurs, qui peuvent paraître caricaturaux, et dont le passé ne sera pas révélé parce que de toute façon on s’attardera pas beaucoup dessus.

Lin Xue l’insaisissable. Je suis complètement amoureuse de sa coiffure

Pourquoi donc ai-je tant aimé cette série ? Car à part l’aspect visuel qui sort du lot habituel, le fond n’a rien d’original. Je dirais que la série à l’avantage d’être courte, d’avancer vite et de ne pas se perdre en cours de route, l’ensemble est bien rythmé (surtout les combats, très fluides) et chaque fin d’épisode est comme un cliffhanger qui donne envie de voir la suite. Les personnages ont certes un côté déjà vu mais sont attachant, ajoutez à cela qu’ils ont des mimiques que l’on retrouve dans l’animation japonaise classique (la façon dont ils sont gênés, se grattent la tête, râlent…) surtout Shāng Bù Huàn. Ce qui se développe surtout dans la seconde moitié de la série, c’est l’aspect psychologique. Les raisons qui poussent les personnages à faire ce qu’ils font. Dans le cas présent, la série se penche surtout sur Shāng Bù Huàn et Lǐn Xuě Yā. Le premier restera mystérieux jusqu’à la toute fin (les raisons de sa présence et ses véritables pouvoirs) puisque rien ne nous est dévoilé, à part via quelques phrases éparts ci et là émises par le personnage. Le second passe par diverses phrases : le bon samaritain qui en sait plus qu’il ne le dit, le salaud de traître voleur, le justicier sadique à la pensée tordue, le génie qui dépasse le commun des mortels…un personnage complexe en somme et fort intéressant. Il forme un duo complémentaire avec Shang, entre la force brute mais droit dans ses bottes à la moralité impeccable et le philanthrope amoral qui emprunte des voies détournées. Dualité bien marquée dès le générique que je ne me lasse pas d’écouter et de regarder alors que je ne suis pas fan de T.M Revolution. D’ailleurs le chanteur a même eu droit à sa marionnette spéciale pour la sortie du single RAIMEI qui sert de titre pour le générique d’ouverture.

La musique dans son ensemble n’est pas en reste. On a droit à de beaux morceaux bien épiques qui restent en tête et donne un côté grandiloquent aux combats.

J’ai un faible pour la 1ère (à vrai dire j’ai un faible pour tout ce qui contient des chœurs). Les voix des personnages sont aussi très bonnes, petit plus pour la présentation en chinois de chacun des personnages avec la petite phrase poétique qui va bien. J’avoue avoir été cependant perdu avec les noms. Ils sont en chinois et indiqués comme tels dans les sous-titres, seulement ils sont prononcé différemment en japonais et leur surnoms (les lamentations de la nuit, la mort rampante, le rapace hurlant, l’insaisissable…) sont traduit en français. De plus, les sous titres alternes entre noms et surnoms de quoi se perdre parfois…

Shā Wú Shēng, nous te promettons d’écrire des yaoï à ta gloire !

Je pourrais râler sur les personnages pour les défauts (alors que j’ai dit que je les aimais). A savoir que certains sont partis trop vite sans avoir eu beaucoup de développement (je pleure encore Shā Wú Shēng) ou de combats épiques comme promis dans le générique (je pense à toi Charming huntress). Après vient Dan Fei la prêtresse. Non pas que je n’aime pas ce personnage mais au final elle restera très en retrait. Sa motivation première était de récupérer l’épée sacrée et de venger son frère. Au final elle ne fera ni l’un, ni l’autre. Toute vengeance semble l’avoir quittée. Ajoutez à cela, qu’il nous est montré à plusieurs reprises qu’elle est parfaitement capable de se battre et de se défendre toute seule, pour finir par rester derrière. A un moment Juan lui apprend à rectifier ses enchaînements pour les adapter à sa morphologie et être sur de ne pas manquer sa cible. J’ai vraiment cru que l’on allait retrouver cet élément plus tard dans la série pendant un combat épique où Dan Fei aurait finit par terrasser Mie Tian et au final…rien… Sur ce point là j’ai été très déçu série 😦

La série nous sort également presque de nul part une romance entre Juan et Dan Fei. Certes il la draguait lourdement au départ (pas très longtemps), nous les avons vu ensemble souvent par la suite mais la fin nous les montre main dans la main, s’entrainant ensemble pendant qu’elle lui parle de son futur fils…C’est mignon mais j’aurais voulu voir cela avant !
Après la série, bien qu’avec des personnages très beaux visuellement et des hommes qui portent très bien le mascara et le gloss, n’est pas sans violence. Nous avons rapidement droit à des têtes -et autres parties du corps- découpées quand ce ne sont pas des morceaux de cages thoraciques qui vous sortent de l’abdomen, sans oublier le sang. Bien sûr, lors des combats les héros vous sortiront tout un lot de techniques spéciales prononcées à voix hautes avec effets lumineux à la clé. J’avais peur de la 3D incluse dans la série car j’ai pu voir d’autres production de PILI (la compagnie qui crée les poupées) où cette dernière était présente et piquaient les yeux. Finalement le boss de fin « le démon des fours crématoires » est plutôt pas mal, sauf ses tentacules qui a rendu le dernier combat un peu tcheap.
Je pourrais reprocher aussi le fait de rendre les personnages trop « over the top » : entre Shang qui défonce les méchants avec un vulgaire bout de bois et bat le boss une main dans le dos (sans oublier qu’il s’est farcie les 3 épreuves à lui tout seul….à se demander à quoi servait les autres), Lin qui en plus d’être plus malin que tout le monde et un dieu de l’épée, Shòu Yún Xiāo qui lance ses flèches en plein ciel mais arrive toujours à les faire retomber pile au bon endroit après avoir calculer la vitesse du vent, la distance et le nombre de pas que fera l’adversaire…sans oublier les punchlines types du genre « je vais finir ce combat en 9 coups ». Ca pourrait faire trop mais ici, cela fonctionne complètement. Après quelques deux ex machina ici et là mais qui passe là aussi.

Xing Hai version 3D et 2D, moins de rouge plus de boobs

La fin du 13ème épisode annonce une séquelle. C’est à la fois une bonne surprise et un moment d’appréhension. Appréhension  parce que les 3/4 du cast actuel sont six pieds sous terre, bien que je prendrais plaisir à revoir Juan/Dan Fei ou Xing Hai (pour savoir ce qu’elle est advenue), et que je ne sais pas ce qu’on pourrait dire d’autre maintenant que tout a été révélé et que nos héros ont battu le démon ultime.
En attendant, on peut toujours écrire des fanfiction LinxShang.

*fin de la potentielle zone spoiler, vous pouvez reprendre une activité normale*

Il existe également 2 adaptations en manga de la série. Je n’en ai lu qu’une sur les deux (toujours en cours) dessinée par Yui Sakuma (auteur de Complex age série en 6 volumes), pour l’instant elle se contente de reprendre la série sous format papier. Je ne suis pas fan du dessin, après avoir été habitué à la beauté et la finesse des personnages de la série, ceux de la série manga sont dessinés de façon assez grossière. Pourtant, le dessin de complex age était assez plaisant. Quant à la seconde adaptation, Thunderbolt Fantasy – Sword Travels from the East – A Maiden’s Magical Journey, elle semble déjà beaucoup plus belle visuellement (c’est Kairi Shimotsuki qui est en charge du dessin, elle est connue chez nous pour  Brave 10 et Docteur Mephisto) et de ce que j’ai compris elle s’attardera sur le point de vue de Dan Fei.

J’ai aimé cette série car elle sortait du carcan habituel. L’aurais-je aimé tout autant si j’avais été habitué aux productions Pili classique ? Je ne sais pas. Tout ce que je peux espérer c’est de voir d’autres productions du même genre par ici. Je veux revoir Shang et Lin. J’ai bien conscience que la série n’est pas parfaite mais elle a été un énorme coup de coeur. J’attends avec impatience de voir ce que la suite de cette collaboration entre le Japon et Taiwan peut nous offrir.

Rendez nous les cils de Mie Tian Hai !

 

Hanayome wa motodanshi, la mariée était un garçon

Je vais essayer d’alterner entre billets longs comme le bras et ceux un peu plus courts pour laisser respirer. Mais il faut savoir que c’est difficile pour moi d’écrire quelque chose de court sur certaines œuvres.

Derrière ce titre, ce cache un manga en un seul volume qui est la version papier d’un blog.
Il existe pléthores de manga et d’animes dans lesquels nous pouvons retrouver un garçon ou une fille habillé(e)s ou se revendiquant du sexe opposé pour des raisons scénaristiques diverses et variées, parfois comiques ou sujets à quiproquos. Tout ceci nous donne l’illusion que le Japon est un pays relativement cool et permissif qui autorise toutes les fantaisies et est très LGBT friendly. Je ne vais pas vous faire un topo sur le sujet, parce que ce serait long et complexe alors que je veux aller directement au but, en parlant de Hanayome wa motodanshi. Jusqu’à présent, je n’étais pas tombée sur des mangas parlant de manière sérieuse de la question trans au japon. Il y a bien Hourou Musuko (Wandering son) ou Bokura no hentai me direz-vous mais cela reste de l’ordre de la fiction, du romancé. J’ai trouvé Hanayome wa motodanshi complètement par hasard. Le titre, le style mignon et rondouillard, le 4-koma me laissait penser -à tort- qu’il s’agissait d’une énième BD comique.

En réalité, Hanayome wa motodanshi parle de la vie de Chii et de son expérience en tant que personne trans, le chemin parcouru pour devenir femme et épouser sa moitié. Le manga est découpé en plusieurs chapitres qui retrace le parcours de Chii : sa vie amoureuse, l’annonce de sa volonté de changer de sexe à ses parents, comment elle a rencontré son mari, son opération, la demande en mariage, la rencontre avec les parents, sa vie de couple marié….le tout entrecoupé d’anecdotes et d’informations sur la situation LGBT au japon.

Ce manga est la fois intéressant et rafraichissant, il aborde les choses de manières simples, sans en faire trop, parfois avec humour. On ne tombe jamais dans le pathos, le voyeurisme, ce n’est jamais « trop ».
Le personnage du mari est aussi délicieusement croqué. C’est quelqu’un de très gentil, complétement gaga de Chii qui l’accompagne et la supporte dans ses démarches, ne presse en rien les choses mais en même temps vit un peu dans sa bulle. Sa réaction lorsque Chii lui annonce qu’elle était un garçon (et qu’elle l’est toujours techniquement) est assez géniale (j’avoue que je m’y attendais). De même que la réaction des parents est pleine de compréhension (même si le père à l’air un peu à l’ouest).
Ici, le parcours de Chii nous est montré de manière très positive, l’autrice étant accompagnée par ses amis et sa famille dans ses démarches. A part le processus administratif pour légalement changer de sexe aux yeux de la loi qui est procédurier et long, et la douleur des opérations, Chii ne rencontre pas de réelles difficultés. Peut-être que certaines ont été occultées ou qu’il n’y en a eu vraiment aucune. A part le cas de Chii qui s’est bien passé, difficile de savoir s’il en est de même pour les autres personnes trans au japon (mais d’après les exemples donnés ça ne semble pas être simple pour tout le monde).
L’autre point intéressant, c’est qu’à chaque fin de chapitre, Chii développe une problématique sur la question LGBT (plutôt orientée trans) : qu’est-ce que le drapeau arc-en-ciel ? qu’est-ce que le SRS ? qu’est-ce qu’une personne transgenre ? comment transitionne-t-on ? Mais aussi toutes les problématiques associées aux changements de sexe, comme le fait que le mariage homosexuel ne soit pas reconnu au Japon à l’heure où j’écris et que donc certaines personnes soient obligées de divorcer ou d’abandonner l’idée de changement de sexe, ainsi que les autres problèmes légaux comme le « gender dysphoria special cases act ». A ce propos, comme je l’ai évoqué au départ, Chii tient un blog dans lequel nous pouvons retrouver ces thématiques qu’elle explique en dessin de la même manière que dans le manga, ainsi que des petits moments comiques.

 

En somme, je conseille ce manga car il est intéressant et instructif si vous décidez de vous pencher sur ces problématiques. C’est aussi une histoire rapide à lire, touchante et adorable. Chii et son mari sont vraiment mignons et le tout est raconté de manière à sortir de cette lecture le cœur léger.

Undead Lovers, peut-on aimer mille fois une personne ?

Un beau jour (en fait je n’en sais rien il pleuvait peut-être) où je traînais mes guêtres comme d’habitude dans l’infini de l’Internet, je suis tombée sur ce manga tout juste entamé qu’est Fujimi lovers ou undead lovers. Le pitch de départ, quelque peu intriguant, m’a attiré et je me retrouvée face à un manga qui ne paye pas de mine, avec un dessin qui change un peu du lot mais très pêchu dans l’ensemble.

Mais de quoi ça parle ?

C’est l’histoire de Kouno Jun et de son amour pour Hasebe Rino. Alors qu’il n’est encore qu’à l’école primaire, Jun tombe amoureux de Rino, la plus jolie fille de sa classe, et décide de lui faire sa déclaration. A l’instant même où elle lui donne sa réponse elle disparaît devant ses yeux, littéralement. L’étrangeté ne s’arrête pas là, puisqu’en enquêtant sur ce qui a pu arriver à Hasebe, il se rend compte que personne n’a souvenir de la jeune fille, comme si elle n’avait jamais existé. Tout le monde a oublié Hasebe sauf lui. Les années passent et voilà notre héros au collège. Quelle n’est pas sa surprise quand il tombe nez à nez avec une fille qui s’appelle Hasebe et qui lui ressemble comme deux gouttes d’eau. Sauf que cette Hasebe n’est pas tout à fait la même que celle qu’il a connu.

Si vous ne voulez pas en savoir plus, arrêtez vous là.

Voilà donc la base de l’histoire qui va être en réalité une compilation de l’histoire d’amour en spiral de Kouno et Hasebe. A chaque chapitre l’histoire se répète : Kouno rencontre Hasebe (enfin une Hasebe) différente de la précédente, qu’il va tenter d’aider tout en s’en rapprochant, leurs sentiments finissent par être réciproque et c’est à ce moment là que Hasebe disparaît à nouveau jusqu’à ce qu’une autre réapparaisse. Kouno rencontre donc presque une dizaine d’Hasebe différentes : une en primaine, une au collège membre du club de calligraphie, au lycée membre du club de musique, une qui donne des cours privés, une pendant ses cours de soutient, une à l’université qui perd la mémoire toute les 24h, une collégienne amoureuse d’un autre garçon, une de l’école primaire qui essaie de monter un spectacle de fin d’année, une Hasebe rat de bibliothèque avec des difficultés pour s’exprimer, une Hasebe plus âgée et veuve, et enfin une Hasebe qui est en réalité UN Hasebe.

Toutes les histoires avec des Hasebe ne seront pas explorées, certaines ne seront montrées ou évoquées brièvement. Evidemment l’oeuvre n’est pas sans défaut, il faut déjà apprécié le style de dessin de l’auteur qui peut sembler brouillon et pas très fin, de même que son style narratif. De même, si vous voulez connaître le secret de Hasebe (qui est-elle réellement ? Pourquoi disparaît-elle ?), vous pouvez vous asseoir dessus. L’histoire avance certes, mais pas à ce niveau là et vous n’en saurez pas plus qu’au début. D’où la frustration de certains…

On peut se demander pourquoi notre héros n’abandonne pas, pourquoi continuer à courir après Hasebe alors que d’avance il sait comment chaque histoire va se finir ? Tout le monde autour de lui lui conseille d’abandonner de courir après Hasebe. Mais pour Jun abandonner ou non n’entre pas en compte, l’amour n’est pas une question de logique. Son amour pour Hasebe n’est pas logique parce qu’il le ressent de tout son être. Certes, comme il le dit lui même, il n’a rien pour lui : il n’est pas bon en sport, pas le plus doué ou le plus intelligent mais il est travailleur et déterminé (il a aussi un léger grain de folie) et c’est ça qui a plu à la première Hasebe. Notre héros est déterminé à faire en sorte que la prochaine fois qu’il rencontre Hasebe et qu’ils tombent amoureux, celle-ci ne disparaisse pas. Nous verrons donc dans chaque chapitre sa motivation mise à rude épreuve, nous le verrons pleurer, suer sang et eau, se remettre en question, sur le point d’abandonner…. Jun au delà de la voir tomber amoureuse de lui, veut voir Hasebe heureuse, et va tout faire pour l’aider, la comprendre. Tout les états d’âme de notre protagoniste sont décrit, et son auteur Takagi Yuna arrive à rendre tout les conflits et frustrations du personnage. On ressent son désarroi, sa peine mais aussi sa folie amoureuse.

Le fait est là : Kouno aime Hasebe, quelque soit sa forme. Toutes les Hasebe, différentes sur la forme, sont au fond la même Hasebe. L’essence même d’Hasebe. Jun l’aime de tout son être et reconnait Hasebe entre mille. Preuve en est, lorsqu’il rencontre une fille identique à Hasebe physiquement mais qu’il ne reconnait pas en tant que telle puisque la vrai Hasebe est cette fois… un garçon. On pourrait évoquer l’hypothèse que Hasebe met à l’épreuve Jun, s’il l’aime vraiment alors il la retrouvera où qu’elle soit et l’aimera quelque soit sa forme. La première Hasebe, au moment de lui donner la réponse à sa déclaration, lui a demandé s’il l’aimera pour toujours en lui faisant promettre avant de disparaître. C’est peut-être à ce moment précis, à cause de cette promesse, que Jun est condamné à aimer Hasebe le reste de sa vie.

Alors oui c’est une histoire frustrante qui ne finit pas toujours bien mais la détermination de son héros fait le sel de l’histoire.

Cependant une autre frustration s’ajoute au lot : l’histoire fait 3 volumes et le dernier chapitre annonçait la fin de la première partie depuis…plus rien. Doit-on y voir la fin pure et simple de l’histoire de Hasebe et Jun ? La fin de cette partie était d’ailleurs prévisible dans on retournement de situation (en tout les cas pour moi) et laissait la porte ouverte à de nouvelles aventures rocambolesques cette fois du côté de Hasebe.

Fujimi/undead lovers nous montre que l’amour est immortel.

Old Xian, un jour en France…

Cela faisait un moment que je voulais parler de cet/cette (?) artiste ici et avec l’annonce de la publication prochaine d’un de ses titres en France, c’est l’occasion rêvé !

J’ai connu Old Xian (ou old先) complètement par hasard en tombant sur certaines de ses illustration sur le net. J’ai aimé le style, les couleurs et l’utilisation de la lumière. Et comme je suis une personne curieuse, j’ai voulu en savoir plus. J’ai finalement trouvé son blog où ses strips sont mis en ligne et j’ai commencé à tout remonté pour voir l’ensemble de ses travaux, même si je ne comprends pas un mot de chinois.
Pour être honnête je n’ai pas trouvé grand chose de plus, je veux dire qu’au niveau de son parcours, avec qui et sur quoi il/elle bosse…je trouve pas, ou sinon c’est écrit dans une langue étrangère que je ne peux pas lire (ou alors il faut que je retourne chez les russes, ils savent toujours tout). Je sais que Old Xian et ses comparses (Tan Jiu et Moss) font parfois des arrêts dans des écoles d’art pour donner quelques cours aux élèves (ou juste des interventions). Sur son blog il est indiqué que c’est un homme mais j’aurais tendance à croire que c’est une femme -disons qu’au départ j’ai pensé que s’en était une, depuis c’est resté- d’ailleurs urban china confirme son statut de dessinatrice (mais au final c’est pas très important) et des photos prisent durant des conventions confirment qu’il s’agit bien de femmes.

Beaucoup d’illustrations -surtout dans le domaine de la mode- , ou des publicités pour portables et peu d’œuvres papiers à son actif mais que des choses plaisantes. Dans le désordre :

19 days – One day

Mosspaca Advertising Departement

The specific heat capacity of love

Joker Danny

C’est d’ailleurs ce dernier qui sera publié en France chez Urban China en mai, l’histoire compte 2 volumes. Je me permets d’ailleurs de reprendre le synopsis diffusé :

La Terre a été ravagée par une maladie contagieuse. En quelques mois seulement, l’humanité a quasiment disparu. Une petite ville a miraculeusement survécu à la catastrophe, et dans cette cité rescapée vit Danny, un jeune orphelin turbulent qui a une tache de naissances en forme de larme sous l’oeil gauche. Par un jour pluvieux, un nouvel arrivant entre en ville : Oreno, un artiste peintre respecté. Voici l’histoire de leur rencontre…

Je ne peux pas dire grand chose dessus étant donné que je ne l’ai pas encore lu au moment où j’écris, ni même vu, excepté quelques illustrations -très belles-, mais connaissant le style de l’auteure, je sens que ça va être du bonheur.

Bon parlons bien, parlons dessin !

Comme je l’ai dit plus haut, j’ai aimé le style de l’autrice, son trait fin et stylisé, ses couleurs, sa façon de dessiner des corps longilignes et minces. Je pourrais cependant lui reprocher une certaine répétition dans le style, notamment des personnages masculins qui ont une légère tendance à se ressembler. Et sa tendance à nous montrer des messieurs qui aiment enlever le haut pour le plaisir de certaines et certains.

Parlons un peu histoire maintenant :

The specific heat capacity of love est un court oneshot qui nous narre la sortie en mer de la jeune Xue Yi avec sa classe et sa rencontre avec un homme étrange sur la plage qui lui raconte une histoire d’amitié (qui fleur bon le BL quand même) entre un requin et une mouette. L’histoire est simple mais forte, surtout dans son dénouement. Le fait d’anthropomorphisé des animaux n’est pas nouveau en soit mais cela rend certains passages du récit encore plus atroce et violent. C’est officiel, je ne mangerais jamais de l’aileron de requin (j’en avais pas l’intention de base mais au moins là c’est définitif).

19 days est un recueil d’histoires courtes écrites et dessinées par divers auteurs chinois, dont Old Xian, chaque histoire représentant une journée.  Celle crée par Old Xian « one day » est un récit de 8 pages où l’on retrouve deux protagonistes mâles sans nom dont l’un (Jian Yi) vient tranquillement squatter chez l’autre (Zhan Zhengxi). On pourrait dire que ce sont les prémisses de One day, le style est un peu plus détaillé mais les personnages égales à eux mêmes (mandale!). Par la suite l’autrice va reprendre son histoire et développer plusieurs strips où l’on retrouvent nos deux ados. Concrètement One day raconte les mésaventures de deux garçons, deux meilleurs amis dont l’un semble avoir un gros faible pour l’autre, il n’hésite d’ailleurs pas à tenter sa chance régulièrement pour finir -souvent- par se prendre une mandale dans la gueule (Aah l’amour~). Les premières choses que j’ai vu sur 19 days – One day étaient surtout une compilation d’illustrations des deux personnages, souvent dans des situations qu’apprécieraient les plus assidues des fujoshis, avec quelques strips racontant des histoires sans vraiment de liens entre elles jusqu’à récemment. Depuis l’autrice étoffe un peu ses personnages et nous permet dans apprendre plus sur leur passif (pour ceux ou celles qui seraient perdu(e)s une timeline existe). Mais honnêtement, ce n’est pas le point le plus important de l’histoire. C’est surtout de les voir évoluer tout les deux. Les situations pour la plupart sont banales mais leur traitement fait rire tellement c’est stupide. Entre le personnage je-m’en-foutiste (Zhan Zhengxi) qui passe une grande partie du temps en survet’ à glander et son meilleur ami (Jian Yi) un poil collant qui à l’art de prendre les décisions les plus absurdes, stupides et embarrassantes pour rendre les situations encore pires qu’avant (mais bizarrement il est populaire). Sans oublier les régulières méprises par les filles de la classe sur leur relation. One day c’est simple, c’est bête, ça prend pas la tête et les personnages sont attachants. Je recommande. Vous pouvez d’ailleurs voir directement les strips sur le blog de Old Xian.

Mosspaca Advertising departement est centré sur la vie de studio de l’auteur  (Mosspaca) et de ses deux acolytes Moss et Tan Jiu (mais on y retrouve aussi d’autres dessinateurs du studio de manière sporadique). Dans ce studio nous avons donc : Moss créateur du studio qui s’occupe de scénario (The specific heat capacity of love et Joker Danny entre autres), d’illustrations, ainsi que de choses administratives (il semblerait) et Tan Jiu du dessin. Dans le cas de Mosspaca advertising departement il semble que ce soit les deux illustratrices (Old Xian et Tan Jiu) qui s’occupent ensemble de la réalisation des strips. En gros, Mosspaca raconte la vie de tout les jours du studio, des différents clients qui viennent les voir pour des projets spécifiques (jeux vidéos, marque de shampoing, applis pour téléphone…), de leurs rencontres avec d’autres illustrateurs, etc… honnêtement on peut se demander comment le studio tient vu leur façon de traiter les projets qu’on leur donne. C’est aussi absurde, sinon plus, que One day (pourquoi Moss a une corne au milieu de la tête ? Pourquoi Old Xian se trimbale torse nu avec un bas de pyjama rayé et un masque de lapin sur la tête (en plus elle le porte même pendant les séances de dédicaces) ? Pourquoi leurs amis sont des souris bodybuildés ?….on n’en sait rien et au final ça ne rend la chose que plus absurde) avec néanmoins quelques moments de calme. Le tout est aussi disponible sur le blog de l’artiste, ainsi que de Tan Jiu et de Moss.

Je rejouterais encore un titre qui montre la collaboration de Old Xian et Tan Jiu : 无期之约 (désolée je n’ai pas encore trouvé de traduction) est un court oneshot. Personnellement, je suis moins fan des dessins qui sont certes correct mais bien moins beau que ce à quoi l’auteur nous a habitué, un peu simpliste.

Il serait difficile de parler de Old Xian sans parler de Tan Jiu et Moss. J’avoue avoir cru que Tan Jiu était un autre pseudonyme de Old Xian tellement leurs styles sont proches par moment (enfin surtout quand j’ai vu Tamen de gushi). Tan Jiu possède également un blog (avec une belle bannière ping pong). Si Old Xian semble plus accès BL, Tan jiu ce serait le yuri avec Tamen de Gushi/their story qui raconte l’histoire d’amour de Qiu Tong et Sun Jing de leur rencontre, leur mise en couple. Tan Jiu utilise un peu le même processus que son homologue dans sa façon de narrer. Après nous avoir montrer des illustrations des filles ensemble et des scénettes sans rapports, nous avons enfin droit aux strips racontant leur histoire. Le récit est assez sympathique, classique (la brune sportive un peu garçon manquée rencontre la jolie blonde naïve et pure), le tout entouré de plusieurs personnage (le meilleur ami, le délégué, le mec dont le sempai bodybuildé est amoureux de lui et dont on ne voit jamais la tête (au départ)…). Cette histoire n’en est pour l’instant qu’à ses débuts mais c’est prometteur. Classique comme je l’ai dit mais mignon, avec un peu d’humour mais pas d’absurde, les situations du quotidien embellies par le trait de Tan Jiu.

Tan Jiu s’occupe également de Mosspaca avec Old Xian en même temps que Tamen de Gushi. Autrement elle a surtout à son actif des oneshots comme Daguanjia  (une histoire de deux frères qui se disputent une cage à grillons dans la  Chine ancienne), The Art of Gardening, qui par son format et le choix du noir et blanc est plus classique, avec cette histoire d’un garçon qui retrouve chez lui un double de lui même qui n’est autre que son bonsaï et  le manhua He Guang Volunteering Committee qui semble être toujours en cours.

En tout les cas je vous encourage vivement à jeter un oeil à leur travaux, ça vaut le coup -de mon point de vue-, pour un aperçu passez par le Tumblr de Old Xian.

 

L’art étrange de Kaneoya Sachiko

C’est toujours dans les méandres de l’internet, en me baladant de sites en sites que je tombe toujours sur une image insolite qui me fait découvrir un/une artiste qui, à mon sens, mérite le détour. Et puis c’est la St Valentin, il me faut parler d’amour.

Je vais donc parler de Kaneoya Sachiko.

Honnêtement je n’ai pas trouvé grand chose d’elle sur le net, je veux dire pas de sites ou de forums enflammés sur son travail, les sites que je rencontre évoquent souvent la même chose sans aller plus loin dans l’analyse de son travail.

L’homme de Kaneoya Sachiko dans toute sa splendeur

 

 

L’artiste possède un site web qui répertorie son travail (avec une louable tentative de transcriptions approximatives en anglais) ainsi qu’un deviant art pas mis à jour (personne n’est parfait).

 

Si j’en parle c’est que ses oeuvres dégagent un certain érotisme, mais un érotisme particulier, très japonais nous dirons. Cet érotisme lié aux blessures, saignements et autres bandages. L’érotisme d’une personne quelconque qui se retrouve dans des situations gênantes, voir humiliantes.

Si vous aimez des auteurs comme Maruo alors vous serez peut être sensible à son art. Ses illustrations restent néanmoins beaucoup plus soft que son aîné, moins de sang et d’organes à l’air, mais plus de fury. On retrouve néanmoins ces écoliers masculins peu viril à casquette et au short noir bien plissé qui semblent moins sages qu’ils n’en ont l’air. Bien sur tout ne fait pas penser à du Maruo, il s’agit surtout de certaines illustrations où les choix de couleurs et d’attitudes des personnages m’y font indubitablement penser.

 

Quand on regarde ses dessins, on ne peut s’empêcher de penser à illustrations de années 50/60′, gentillettes et bon enfants dans les thèmes comme dans les couleurs choisies. En effet, certaines des images ont un style très cartoons dont le côté mignons tranchent quelquefois avec ce qui est représenté. Pour le coup les personnages se simplifient, jusqu’au rondouillard par moment et me rappelle d’une certaine façon certains titres de Natsume Ono (Ristorante paradiso, Goyo, not simple, la quinta camera…), dont le style -s’il est varié- reste identifiable.

Un monde merveilleux, mignon et coloré…

 

 

L’un des thèmes majeurs (comme indiqué sur son site, si vous ne l’aviez pas remarqué) : c’est l’homme. Mais attention pas n’importe quel homme ! Un homme peu viril, qui dégage un air de looser procrastinateur et je m’en foutiste, souvent malmené par la gente féminine dont il devient la victime. Un homme souvent  blessé : s’il n’a pas de coquard, c’est qu’il saigne du nez, quand c’est pas les deux. Un homme loin d’être au sommet de sa gloire, un peu pathétique sur les bords et sans défense.  Bref une image d’homme que l’on voit peu souvent et où les clichés sont renversés, car c’est désormais l’homme qui est victime du grand méchant loup ou de jeunes félines. Des femmes souvent plus costauds et bien en chairs qui contrastent avec notre protagoniste masculin. S’agit-il de redonner le pouvoir aux femmes ou de les montrer en prédatrices ?

Souvent notre homme accepte de devenir le jouet de ces dames et d’ôter la chemise dès qu’il y a quelques billets à la clé. Notre homme serait-il tellement dans le besoin qu’il faille qu’il se prostitue ou se fasse entretenir ?

Evidemment, chacun est libre de ne pas adhérer à cette imagerie, voir d’être mis mal à l’aise mais peut être est-ce le but ?

 

 

Attaché, maltraité, parfois découpé en morceaux, l’homme subit tout quand il ne semble pas consentant pour se faire traiter de la sorte. Serait-il devenu une serpillière en manque d’amour propre ?

 

S’il ne se retrouve pas victime de la gente féminine, il peut être décrédibilisé, rendu ridicule par les choix de costume : la fantasme de la jeune écolière en uniforme de marin en prend là aussi un coup. Qui n’a jamais rêvé d’un homme en jupe qui garde cependant son beau caleçon rayé et ses chaussettes jusqu’à mi-mollet ? Kaneoya Sachiko nous propose l’essence même du glamour.

L’artiste n’hésite pas à plonger dans le ridicule, il ne tue pas (quoique), jusqu’à vous faire piquer les mirettes.

N’est-il pas mignon ?

 

 

Tout ceci ne nous est pas présenté  avec des formes anatomiques improbables couplées avec des positions langoureuses et suggestives (je pense à toi Adekan!). Non, notre homme (car c’est souvent le même qui se fait martyriser) est dans des poses lambda qui arrive pourtant à dégager un érotisme latent. Pour preuve Kaneoya Sachiko était présente lors de l’exposition japan erotica au musée de l’érotisme à Paris qui s’est tenue de Mai à Octobre 2014.

      

 

Bien que la colorisation et le style varient, il est facile de reconnaître la patte de l’artiste avec des personnages aisément reconnaissable. Pour preuve, quelques illustrations qui montrent que son travail ne se cantonne pas aux hommes martyrisés.

 

 

Pour conclure que dire…certes j’ai surtout montré un pauvre type dans tout ses états mais il ne faudrait pas s’arrêter à ça. Son travail est riche et varié, parfois simple, parfois ultra détaillé, parfois monochrome ou fluo. Vous n’êtes pas obligé d’adhérer à ce fantasme de l’homme malmené mais vous arrêter à ça serait dommage selon moi (oui mon discours est contradictoire avec les images montrées).

Je vous encourage donc à jeter un oeil sur son site si le coeur vous en dit, histoire que vous découvriez et que vous vous fassiez votre propre idée.

 

Je me devais de garder cette image pour la fin. Je ne m’en lasse pas.