Les trésors de l’animation russe 2

Rebelote donc avec la suite de mes aventures filmiques du mercredi ou samedi, on sait plus trop, sur Canal J. Voici donc le reste des dessins animés russe issus de contes.

Blanche neige et les 7 chevaliers ou les 7 bogatyrs

ou encore « Tale of The Dead Princess and The Seven Knights » ou « the Dead Tsarevna and Seven Bogatyrs »

Oui princesse morte c’est moins glamour. On dira donc blanche neige.

Un petit film de 32 minutes datant de 1951

Là aussi je vous ferai pas l’affront d’un résumé d’uns histoire vue et archie vue, cependant vous noterez que tout comme dans le titre il ya quelques différences :

déjà il ne s’agit pas de 7 nains mais de 7 chevaliers, plus virils. Auncun grincheux, atchoum, simplet and co… que des mecs tout en muscles et en casques qui vivent en célibataires au fond de la forêt. Ceci n’empêche pas dans cette version ci, que dès que blanche neige arrive chez eux par erreur elle trouve le moyen de faire le ménage. Normal.

Bon après notre héroïne est déjà fiancée, un beau prince russe blond avec sourcils de couleurs différentes (très important!) qui pleure des larmes viriles, mais elle a toujours le pack chant et conversation avec les animaux de la forêt niveau bilingue. L’honneur est sauf.

Après ça sa belle mère ne cherche pas à la tuer, juste à la paumée dans la forêt profonde, exit le gentil chasseur, bonjour la perfide bonne.

La princesse grenouille

Rien à voir avec le film de Disney je précise. Il s’agit d’un film datant de 1954 de 39 minutes.

Petit résumé made in wikipédia :

Préoccupé par sa succession, un roi demande à ses trois fils de tirer chacun une flèche dans une direction différente : ils épouseront alors les femmes qui ramasseront leur flèche. Le premier épouse la fille d’un général, le second la fille d’un riche marchand. La flèche du plus jeune étant tombée dans un marais, il doit épouser la grenouille qui l’a trouvée. En fait, la grenouille est une jeune magicienne du nom de Vassilissa, « la très belle ». Frappée par un sort que lui a jeté un sorcier, elle a été condamnée à garder une apparence de grenouille. La princesse retrouvera son apparence humaine de différentes façons selon les versions.

Celui ci est bien issus du folklore russe et porte en VO d’autres noms comme : « la grenouille tsarine » ou « Vassilissa la sage ». De mon côté ça m’a toujours fait pensé à 3 histoires différentes :

Par son titre au « prince grenouille », où là c’est une princesse qui doit tenir son engagement face à une grenouille qui lui a retrouvé sa balle en or, ce qui consiste à se tenir à sa table, manger dans son assiette, boire dans son verre et dormir avec elle. Ce qui dégoute la princesse qui tire une tronche pas possible un peu comme ce cher prince dans ce film d’animation. Bien évidemment dans les deux cas c’est un sort qui les as rendu ainsi, et l’amour triomphe. Blablabla. Je dis ça mais j’adorais le conte de grimm de la « princesse et la grenouille » pour la bonne est simple raison que c’est le seul conte avec pincesse + grenouille, et qu’il n’y a pas de baiser à la fin. Non! C’est mille fois mieux, la fille est tellement écoeurée par la grenouille qu’elle la balance contre un mur de toute ses forces en espérant la voir morte, et là BIM! C’est un beau prince qui apparait. Et comme il est beau (et prince) elle l’épouse. Si c’est pas beau la vie…Je tiens quand même à dire que parmi tout les contes que j’ai lu il n’y a jamais eu, JAMAIS, de princesse qui embrassent des grenouilles et les transforment en princes. Je sais pas d’où ça sort.

Secondo, au conte « les 3 plumes » toujours de Grimm. Parce qu’ils y a 3 frères à qui leur père fait subir des épreuves. Chacun allant dans une direction, dans le film via des flèches, ici via des plumes. Que chaque fois c’est le petit dernier qui ramène les plus beaux trucs alors qu’il en a pas foutu une !On lui a tout fourni sans effort. Non mais je vous jure. Branleur !

Tertio, le lac des cygnes. Pour le coup de la jeune et jolie jeune fille prisonnière d’un mage méchant pas beau et que seul un amour véritable pourra sauver. Mais le film est moins version émo, guarantie sans suicide.

Ceci dit le prince devra subir quelques épreuves pour retrouver sa femme, parce bien entendu il aura fait une connerie, mais tout finira bien. Et pour le coup des épreuves, dû au fait d’avoir carbonisé la peau de grenouille de son épouse, on retrouve tout un tas d’éléments (Baba Yaga et sa maison en tête), que j’ai aussi retroué en vrac dans la série « monstres et merveilles » de Jim Henson dont je parlerais dans une autre note.

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Les trésors de l’animation russe

Navrée pour l’oublie de la semaine dernière dû à beaucoup de travail, d’ailleurs cette semaine c’est pareil, même pire, mais bon je m’y colle quand même. Je suis heureuse de m’y mettre hein…faut pas croire.

Donc, la dernière fois j’abordais le « bâteau volant » qui bien que n’étant pas réalisé par des russes reprennait leur folklore, ce petit film me permet donc d’entrer dans le vif du sujet de quelque chose qui a vraiment marqué mon enfance : l’animation russe. Et comme cette année était l’année franco-russe c’était l’occasion parfaite. Mais je me répète un peu là…

Je vais déjà évoquer mon amour de l’animation russe, qui pour moi fût une révélation :
*flashback avec flou écran noir tout ça*

C’était sur canal J, et ses super mercredi aprem (ou samedi on sait plus trop), j’avais droit à ma petite séance ciné. La plupart de ces films ne dataient pas d’hier et pourtant le charme était toujours présent. Ce qui me marqué c’était la finesse des dessins, une animation fluide et maniérée, et surtout une atmosphère russe. Car si l’on reprenait les fameux contes que tout le monde connait (blanche neige, la reine des neiges, Hansel et Gretel, le roi grenouille…) tout était russe. J’entends par là que les décors, les maison, les châteaux, les vêtements sont russes. De même que les caractères sont russes. Pour le coup je me base sur mon expérience littéraire.
Les femmes sont bien en chair, avec du caractère, les hommes grands et forts en général barbus et quand ils ne le sont pas se sont de jeunes princes (qui savent pas faire grand chose de leurs dix doigts) qui pleurent de manière viril. Le tout sur fond de grands gestes et de grandes embrassades.
En fouillant un peu, tout cela est dû à la période (soviétique) et une page de l’animation russe qui se voulait « réaliste », d’où l’utilisation de la technique de rotoscopie pour calquer au plus près les mouvements humains. Pour ceux qui voient pas, c’est la technique employée pour le premier film du seigneur des anneaux (celui de 1978 hein…). C’est aussi durant cette période que de nombreux contes de tout pays furent adaptés en animation. Il me semble que c’est la période de l’âge d’or de l’animation russe.

Je vais faire en sorte d’en regrouper plusieurs histoire d’être plus concis.
Pour ce premier post je vais parler des films réalisés par Lev Atamanov qui est un des grands noms de l’animation russe (soviétique)

Le premier et sans doute le plus connu : l’antilope d’or.
Réalisé en 1954 et primé à Cannes (prix spécial je crois), il reçu aussi d’autres prix à Londres et à Belgrade pour ses qualités artistiques. Contrairement à ce que j’en ai dit plus haut, ce film ci met l’accent non pas sur le côté russe mais sur ses origines indiennes (je ne connais pas le conte original).
C’est l’histoire d’une antilope qui peut faire apparaître des pièces d’or en un claquement de sabots, poursuivie par la Maharadjah lors d’une chasse, elle n’arrive à lui échapper qu’avec l’aide d’un jeune garçon. Obsédé par l’idée de posséder un tel animal le Maharadjah met tout en oeuvre pour la capturer.

Ce film était disponible en france en VHS et ensuite en DVD avec d’autres courts dans la rubrique « trésor de l’animation », difficilement trouvable aujourd’hui.
Le film en lui même est très beau, non dénué d’humour dans ses personnages parfois caricaturaux. On retrouve le classique « parcours iniatique avec des animaux » : le garçon aide un/des animaux qui par la suite l’aideront quand il aura un problème. Une ficelle qu’on retrouve dans beaucoup de contes.

Pour la plupart je les ai retrouvé en VO (en russe donc) sur youtube avec bien d’autres merveilles
Le film est court, environ 30 minutes

Autre histoire très remarquée et très connue : la reine des neiges.
Le film est plus vieux (1957) et plus long (plus d’une heure).
Je vous ferais pas un résumé je pense que tout le monde connait le conte de Andersen, où la jeune Gerda part en quête de son ami Key qui a des bouts de miroir incrustés dans le corps.

Comme son prédécesseur, ce film recevra plusieurs distinctions : lion d’or festival de Venise, prix au festival de Cannes, de Moscou et de Londres.

belle et la bête

The little red flower
Le film de 42 minutes datant de 1952 est l’équivalent de la belle et la bête.

Je met ici un extrait de très bonne qualité. Comme les autres l’on peut retrouver le film entier en qualité correct sur youtube.

L’histoire d’un marchant ayant 3 filles qui avant de partir pour un long voyage demande à chacune d’entre elles ce qu’elles souhaitent. Comme d’hab dans les contes les 2 premières demande des trucs cher et hors de prix et la dernière une simple fleur rouge. L’homme réussi à tout trouver sauf la fleur, jusqu’à ce qu’il tombe sur une île étrange où il la trouve enfin. Seulement après l’avoir cueilli un monstre apparait et lui dit qu’en échange de cette fleur il devra lui donner une de ses filles. Seulement il n’a pas vraiment le choix, soit il donne la bague magique que lui transmet le monstre pour qu’une de ses filles soit transportée direct sur l’île, soit le monstre débarque chez lui et le tue. L’homme rentre donc chez lui bien embêté. Malheureusement la plus jeune des filles découvre le secret de son père lors d’une conversation et enfile la bague. La voilà donc sur l’île, où un mystérieux hôte s’occupe d’elle, mais sa famille lui manque. Le monstre lui accorde donc d’aller la voir mais de revenir rapidement sinon il mourra de solitude. Bien sur les méchantes sœurs s’en mêlent car jalouse de voir leur cadette si bien paraît, les bras plein de cadeaux, et retardent donc la pendule de 2h. Forcement notre héroïne arrive trop tard et le monstre meurt. Sauf que ça serait pas un conte de fée si ça s’arrêtait là. La jeune fille pleure et regrette, c’est a ce moment là que la fleur rouge se réanime et miracle ! A la place du monstre on a un beau prince qui était en fait ensorcelé. Ils se sourient comme deux gros benêt heureux et vécurent dans la guimauve jusqu’à l’overdose.

Je vous abrège la fin tout le monde la connait. Je suis méchante avec ce pauvre film, mais en fait je l’aime beaucoup.

Bref comme les autres si vous avez l’occasion de voir ces films en VF, VO sous titré n’hésitez pas. De cette manière j’ai découvert le russe et en animation  ça rend pas mal, a mon sens inutile de comprendre pour apprécier.

Le bateau volant

Je me rend compte que j’ai failli oublier ma chronique de la semaine (que personne ne lit mais c’est pas grave) sur les films/séries d’animation chef d’oeuvre souvent de mon enfance. Je passe sur le roi et l’oiseau de Paul Grimault que tout le monde, je pense, connait. Il ya bien sur bien d’autres films and co mais j’en parlerai une autre fois. Ici je voulais faire court en abordant juste un petit film qui va me permettre de me lancer ensuite sur la Russie et Dieu sait qu’il y a à dire dessus.

Le film dont il s’agit c’est « le bâteau volant » ou « The Fool of the World and the Flying Ship »  qui un film d’animation en stop motion avec des marionettes, ce qui ne l’empêche pas d’être jolie et sensible. A l’époque je l’avais vu à plusieurs reprises sur Canal J (ah ces fameux films du mercredi!).
Si le film ne cache pas son influence russe puisqu’il est adapté d’un conte, jusqu’à tard, j’avais toujours cru que le film avait été réalisé là bas. Hors il n’en est rien. Le bâteau volant est issue d’une émission « Long ago & Far away » qui a été diffusé de 1989 à 1993, et a proposé  environ une trentaine de petits films ayant pour thèmes des contes et histoires du folklore du monde entier. Le film date de 1990, dure environ 60 mn et a été réalisé par Cosgrove Hall, un studio d’animation anglais. C’est le seul du lot à avoir été diffusé en France, enfin je crois, en tout les cas seul le film en lui même fût diffusé, pas le pataspitch de l’émission « Long ago and far away ».

 

L’histoire :
Le tsar de toute les Russies à l’habitude de recevoir de beaux et incroyables cadeaux, ce dont il est fier. Les prétendants se pressent d’ailleurs à sa porte pour lui apporter les plus beaux présents afin de pouvoir épouser sa fille la princesse Alexïa qui n’en a cure. C’est alors que celle ci propose de prendre pour époux celui qui sera capable de lui apporter un bâteau qui puisse voler. Enthousiaste à cette idée, le tsar Nikolai fait passer le message dans tout le pays. Au fin fond de la forêt profonde vit le jeune Piotr avec sa famille, composée de son père bûcheron, de sa mère et de ses deux frères. Ils ne sont pas riches mais vivent tranquillement, jusqu’à ce que les deux frères aient vent de cette histoire de bâteau volant dans laquelle ils voient un moyen de s’enrichir, et réussissent à convraincre leur père de leur passer toute ses économies qu’ils s’enpressent d’aller dépenser dans la taverne la plus proche. Piotr le benjamin de la famille et le plus rêveur voudrait lui aussi participer à cette quête, c’est à ce moment qu’il rencontre un drôle d’homme qui va lui offrir cette occasion, à une condition : qu’il ne refuse jamais quelqu’un qui désire monter à bord du bâteau volant. Voilà donc notre héro partie vers le palais du tsar, et qui rencontrera de bien curieux personnages en route.

Navré j’ai fait un résumé un peu long.
Ce film m’avait beaucoup marqué parce qu’il avait plusieurs points communs avec le baron de münchausen (dont ses personnages), d’ailleurs il est dit que Terry Gillian s’est inspiré de ce conte russe pour son film. Je tiens quand même à dire que j’adore ce film, et tout son côté WTF surréaliste.
Pour en revenir  au bâteau volant c’est un très jolie film, très poétique et bien réalisé. La musique est sympa et reste bien en tête. Je ne sais pas s’il a été édité en France, en tout les cas on peut le trouver en DVD en anglais par contre. Mais heureusement l’ami youtube est là ! Le film est donc dispo en VF (en qualité assez moyenne mais c’est déjà ça) et scindé en plusieurs parties. La VF est d’ailleurs très bonne. Après on aime ou pas, Piotr c’est l’archétype du héro tout gentil, tout naïf, avec un coeur gros comme un airbus, et on sait tous comment ça va se finir. Mais on s’en fiche c’est pas ça l’important!

Autre chose en VO (ou VA) c’est David Suchet (Hercule Poirot) qui est le narrateur de l’histoire, ce qui n’est pas rien ! Deplus le bâteau volant à reçut plusieurs prix, raison de plus pour le voir !

All the world will be your enemy

Je continue dans la rubrique « merveilleux films pas/peu connus » avec non pas un mais deux films issus du même auteur Richard Adams et qui illustrent parfaitement « l’animation ce n’est pas que pour les enfants ». Pour l’instant je n’ai pas trouvé grand monde qui n’ai pas été marqué/traumatisé/fait des cauchemars à cause de l’un des deux films qui sont « à destination des enfants ». Quelque part c’est un mal pour un bien, c’est souvent les films qui vous marquent qui restent.

Il s’agit donc de « watership down » et « the plague dogs », respectivement « les garennes de watership down » et « les chiens de la peste » en français. Les deux films n’ont pas été édité ni diffusé en france (en tout les cas pas à ma connaissance) contrairement aux livres dont ils sont issus qui eux sont désormais difficilement trouvable.

Commençons avec « watership down », tout comme « the plague dogs » il s’agit d’un livre du romancier anglais Richard Adams publié en 1972 succès de l’auteur et son chef d’oeuvre devenu un classique des grandes épopées animales. A l’origine il est dit qu’il s’agissait d’histoires qu’Adams racontait à ses filles qui lui ont demandé de les publier. Il en résultat un film d’animation, une série, une pièce de théâtre, et plusieurs citations (Lost, donnie darko…). Des années plus tard l’auteur publia « tales from watership down » qui est un recueil de nouvelles.

Histoire :
Pressentant un danger aussi implacable qu’imminent, un groupe de lapins aventureux sort de sa garenne à la recherche d’un territoire plus sûr. En chemin, ils vont rencontrer des situations extraordinaires qui vont les conduire à déployer des talents exceptionnels. Au bout d’aventures formidables au sein d’une garenne totalitaire, dans une ferme dangereuse, puis au terme d’une bataille fantastique, ils parviendront à établir leur garenne pacifique sur les hauteurs de Watership.

Source wikipedia

Malheureusement je n’ai pas lu le livre mais j’ai cru comprendre que plusieurs choses changées, tout en gardant l’essentiel de la force du livre. La force de celui ci réside dans le fait d’avoir créé une vrai mythologie autour de cette communauté de lapins. Ils ont leur dialecte, leurs contes et histoires, leurs héros, leur dieu…tout en restant néanmoins des lapins. Ce qui veut dire qu’ils restent des proies : tuer par les chasseurs, les chiens, les chats, les oiseaux de proie, et autres renards, écrasés par des voitures, prient au piège par des collets, quand ils ne s’attaquent pas entre eux pour des questions de territoire. Bref la vie d’un lapin c’est pas de tout repos.
Pour détailler un peu le language des lapins est le « Lapine », Frith est le nom du soleil mais aussi leur Dieu, quant à El-ahrairah qui signifie « Prince with thousand enemies » c’est le héro de la mythologie des lapins, leur ancêtre à tous…d’ailleurs le film nous met directement dans bain en expliquant pourquoi les lapins sont ce qu’ils sont (toujours d’après la mythologie lapin). Ces histoires leur permettent de se donnaient courage mais aussi de comprendre leur place, ce qui donne aussi crédibilité et profondeur au récit.

Outre la grande épopée de ces lapins vers une terre d’accueil où ils pourront vivre en paix, le film n’en reste pas moins violent voir sanguinolent. Même moi ,qui n’était alors plus vraiment dans la tranche d’âge 7-10 ans depuis un moment, j’ai été marqué la 1ere fois que je l’ai vue. Le film évoque aussi plusieurs thèmes comme la dictature, en vivant dans la peur et l’anxiété, mais fait la part belle à la ruse de certains lapins pour leur survie. Le livre avait quelque peu remué certaines féministes, car les rôles féminins, celui des lapines, étaient minimes, n’étant là que pour la reproduction.

‘All the world will be your enemy, Prince of a Thousand enemies. And when they catch you, they will kill you. But first they must catch you – digger, listener, runner, Prince with the swift warning. Be cunning, and full of tricks, and your people will never be destroyed.’

Concernant l’animation, là aussi on sent que le film n’est plus de 1ere jeunesse (il date de 1978), mais il reste plaisant à voir, avec de jolie musiques, comme bright eyes de Art Garfunkel. Le film reçu un accueil positif, et fût même nominé, quand au thème principal composé pour l’occasion, ce fût un hit en Angleterre qui restera six semaines au top 10,et sera reprit plusieurs fois. Il reste néanmoins de très jolie séquences (les visions de Fiver) qui ne sont pas là uniquement pour faire jolie mais apparaissent dans les moments clés de l’histoire, et des passages émouvant.

A noter que « watership down » existe (apparemment) et serait situé dans le Hampshire.

« The plague dogs » évoque aussi une grande épopée animale mais cette fois avec des chiens, et place la barre plus haut dans la beauté du pessimisme et de la tristesse. Rien que les premières image du film donne le ton : on ne va pas rigoler.

Histoire :
Deux chiens, Rowf et Snitter, cobays d’un laboratoire où ils n’étaient jusqu’à présent que des outils de recherche, parviennent à s’échapper. Goûtant enfin à la liberté, ils doivent apprendre à se débrouiller. Malheureusement leur bonheur sera de courte durée quand une chasse s’engagera pour les attraper, intensifié par la peur que l’un d’entre eux est porteur du virus de la peste.

Le film date de 1982 et de mon point de vue n’est pas très beau, se voulant sans doute plus proche de la réalité, cependant ça n’enlève rien à la gravité et aux choques de certaines séquences. Le film reprend d’ailleurs que la 1ere version du livre, une seconde ayant été publié plus tard modifiant la fin, cette fois ci par une note d’espoir.
Les premières scènes nous emmène dans le laboratoires où l’on découvre la cruauté de la recherche sur les animaux, leurs vies insalubres et leurs fins quand ceux ci ne sont plus utile.  Le réalisateur du film (Martin Rosen) a tout de même notifié que le film n’était pas là pour dénoncer mais pour faire partager une aventure. Il existe d’ailleurs 2 versions du film l’une de 86 et l’autre de 103 minutes. La version uncut est disponible sur youtube.
Que dire du film à par que les humains n’ont vraiment pas le beau rôle, même si les motivations de certains au centre de recherche sont justement de faire avancer la science et de guérir des maladies. D’ailleurs on ne les voit jamais vraiment en entier, on voit des jambes, des mains mais pas vraiment de visages.Il faut dire que visuellement ils ne sont pas très beaux. C’est un des aspects qui m’a quelque peu gêné, non pas qu’on ne les voit pas vraiment, mais le fait est que quand ils sont doublés j’ai eu du mal à savoir qui parlait, de plus leurs voix  me semblaient très lointaines comme en décalées par rapport à l’image.

Là où le film n’est vraiment pas pour les enfants, outre le ton employé, les couleurs grises délavées, c’est aussi par ses scènes « choquantes » qui ne sont pas forcement adaptées : la scène de début en laboratoires (Rowf ramené plusieurs fois à la vie, les singes, le chien qu’on ramasse à la pelle), Snitter qui dans sa joie tue accidentellement un chasseur, ou encore (dans la version uncut) lorsque l’on retrouve le corps d’un homme partiellement dévoré par Rowf et Snitter (qui étaient mort de faim et de froid sachant que l’homme était mort en tombant de la falaise où il c’était perché pour essayer de les tuer).

Si je parle de ces deux films ce n’est absolument pas par fibre nostalgique comme les deux autres, ni pour la beauté, ni pour les chansons, mais bien du propos. On est loin de l’univers gentillet, des chansons mielleuses, de la morale bien pensante, et du « ils vécurent heureux… ». Pourtant autant l’un que l’autre sont considérés comme des chefs d’oeuvre, des films ayant marqués, recommandés et souvent classés dans les 100 meilleurs films d’animation.
S’ils ne sont pas tout public, ces films méritent qu’on y jette un oeil ne serait ce qu’une fois.

Promis, la prochaine fois je parle de films plus optimiste !

ps: je viens de voir un documentaire sur christopher Lee sur arte, il y avait un court passage sur son doublage de la derniere licorne en allemand 🙂

La dernière licorne

Cette fois ci j’aborde un film qui est normalement plus connu et qui est sortie chez-nous en DVD, donc trouvable.
Comme « arabian knight » qui mit des années à sortir, comme « gay purr-ee » qui tentait de sauver son studio, « the last unicorn » (son titre original) connait aussi des déboires, en tout cas son adaptation live.

On quitte l’orient et Paris, pour se plonger dans la fantasy. Le film est une adaptation d’un livre du même nom de Peter S.Beagle -que je n’ai pas lu mais dont je pense ne pas tarder à le faire- auteur reconnu dans le monde de l’heroic fantasy -sans doute pour les puristes parce que moi ça me disait rien, faut dire que je suis pas non plus une spécialiste en fantasy-, et qui c’est aussi occupé du scénario du long métrage.
Ce film est issu d’une collaboration americo-japonaise -et moi qui avais cru pendant longtemps qu’il n’était que japonais-, les américains aux commandes et les japonais pour l’exécution. Sortie en 1982 il a bénéficié d’un grand soin au niveau du doublage comme de la musique. Pour les voix des personnages nous trouvons Christopher Lee (le roi Haggard), Mia Farrow (la licorne), Jeff Bridges (Prince Lir), Angela Lansbury (mère fortune), Alan Arkin- le grand père dans little miss sunshine- ( Schmendrick). Quant aux musiques certains sont signés du groupe America -que j’affectionne beaucoup-, qui rend d’autant plus le film mélancolique, contemplatif, et beau.

Histoire :
Dans une forêt enchantée, une licorne réalise qu’elle est la dernière représentante de sa race et décide de s’embarquer dans une quête pour apprendre ce qu’il est advenu des autres licornes. La Licorne comprend à travers le discours tarabiscoté d’un papillon qu’une bête connue sous le nom du Taureau de Feu les a toutes menée jusqu’au bout du monde connu. S’aventurant en territoire inconnu, hors de la sécurité magique de sa forêt natale, la Licorne commence un voyage pour trouver ses semblables et les ramener dans son monde.

source wikipédia

Contrairement aux films Disney (on ne peut échapper à la comparaison), ce long métrage est résolument tourné vers des thèmes plus adultes, et possède quelques séquences assez sombres (mère fortune et la harpie). L’amour est un des thèmes majeur et commun à bien des films, mais ici sont aussi touchés l’immortalité, l’identité. L’immortalité de la licorne qui par là même rend aussi immortelle la forêt dans laquelle elle vie, et à travers bien d’autres personnages qui cherche eux aussi cette immortalité quelle soit direct ou bien de manière détournée. Quant à l’identité, la licorne y sera confrontée directement entre des gens désormais incapable de reconnaître une vraie licorne, ne voyant qu’une jument blanche, et à travers Dame Althéa.
De plus, pas de happy end, pas de « ils vécurent heureux et eurent beaucoup d’enfants », ce qui rend le film encore plus touchant. Ça a atteint ma corde sensible étant enfant.

Là aussi le film a vieilli, et l’animation n’est pas exempt de défauts, mais l’intérêt est ailleurs. Personnellement j’avais beaucoup aimé la finesse des personnages, surtout le design de la licorne.
Je faisais un peu plus haut mention de la musique jouait par le groupe America. J’apprécie surtout le thème principal, que l’on retrouve dans le générique d’ouverture, très inspiré des tapisseries comme celle de la dame à la licorne.
Apparemment le film aurait connu un certain succès aux USA mais aussi en Allemagne où il serait régulièrement rediffusé. Ce qui a aboutit à un projet de film live, regroupant plusieurs des acteurs qui avaient doublés le film animé. Ce projet annoncé en 2002, n’a depuis pas avancé, si un site existe malgré le côté très amateur, rien n’a évolué depuis et je commence à émettre des doutes quant aux faits qu’il aboutisse un jour. Ces problèmes seraient dû à des soucis juridique entre Peter S. Beagle initiateur du projet et Granada International.

En définitif la dernière licorne c’est bien, c’est beau, mangez en !

ps: quand j’étais petite j’aimais beaucoup le prince Lir, et j’avais beaucoup de mal à comprendre la colère de Molly Grue lorsqu’elle voit pour la 1ere fois la licorne.

Gay purr-ee

Contrairement à ce que laisse supposer le titre la note n’aura rien de gay, quoique après vous pourrez aller à vos divagations Freudienne. Après avoir fait une note sur FB « 15 films, 15 minutes », le nom « Gay purr-ee » est entré dans la liste et je me doute que pour ceux qui y ont jeté un oeil c’est un inconnu au bataillon. Cette courte note me permet de lancer un sujet que je voulais aborder depuis un moment surtout avec l’année franco-russe qui s’achève, à savoir les chefs-d’œuvre de l’animation. Je ne parlerai pas que des films russes, quoiqu’il y ait matière, mais des films qui m’ont marqué, qui ne sont pas forcement connus du grand public. Bien sur quand je parle de chef d’oeuvre c’est à différent degrés parce que ça reste mon point de vue : en terme d’histoire, de musique, d’ambiance… la plupart de ces films ont vieillis, certains sont moins innocents que d’autres etc…J’avais déjà plus ou moins abordé le sujet avec « la princesse et le cordelier » dans ma review des films de 2009 (qu’il faudra que je finisse un jour d’ailleurs) avec son parti graphique qui malheureusement passera à la trappe face à Aladin.

Bref.. »Gay Purr-ee » c’est tout simplement la prononciation de « Gai Paris » qui fût traduit en français par « Chat c’est Paris » qui est une histoire qui parle de…chats. C’est un film d’animation américain datant de 1962, soit 12 ans avant les aristochats de Disney, et après avoir lu quelques sites ça et là, le film avait surtout marqué une innovation dans le fait que les humains étaient quasiment absent du film. Il y en a, mais ils servent, pour le peu qu’on en voit, de toile de fond, bien que la discussion entre deux soeurs au début du film servent d’élément déclencheur à l’histoire.

Et de quoi ça cause ?
C’est l’histoire de Mewsette jeune chatte vivant paisiblement à la campagne, courtisée par Jaune Tom chasseur de souris émérite toujours accompagné de son acolyte Robespierre. Un jour Mewsette en a marre, et ne veut pas croupir le reste de sa vie dans sa campagne de Provence, elle rêve d’autre chose : de Paris ! Elle plaque donc tout pour monter sur la capitale, et y rencontre Meowrice chat raffiné qui décide la présenter à sa soeur Mme Rubens-chatte pour en faire un dame de la haute. Jaune Tom apprenant que sa bien aimée s’en est aller pour la capitale, décide de la rejoindre.

L’histoire en elle même n’est pas très compliquée, c’est celle de la provinciale naïve qui rêve d’un Paris idéalisé bien loin de la réalité. Avec le recul j’avais trouvé Mewsette horripilante à souhait quand elle commence à tout dénigrer en n’ayant que Paris à la bouche.  Le film a vieilli, l’animation n’était pas ce qu’il y a de meilleur, mais reste très correcte quand même. En étant honnête le film fait son âge, comme en démontre les chansons, oui il y en a, on est dans une comédie musicale. Mais d’un autre côté il ne faut pas s’arrêter là.

Le point fort du film, et c’est ça qui m’avait marqué, c’est son style graphique et son ambiance. Tout, absolument tout, est un hommage à Paris, la France, et surtout son art. C’est simple c’est une succession de tableaux. La Provence où vie Mewsette : du Van Gogh, son Paris : du Modigliani, le Meowlin Rouge : du Toulouse Lautrec…la preuve la plus flagrande est qu’elle celle ci se fait peindre son portrait : Claude Monet, Henri de Toulouse-Lautrec, Georges Seurat, Henri Rousseau, Amedeo Modigliani, Vincent van Gogh, Edgar Degas, Auguste Renoir, Paul Cézanne, Paul Gauguin et Pablo Picasso…ce qui est aussi l’occasion de quelques anachronismes : le tableau façon Guernica de Picasso (1937), alors qu’on est censé être en 1895…
A l’époque cette séquence m’avait beaucoup marqué, et encore aujourd’hui je la trouve très belle, je me demande même si elle n’a pas marqué au point d’orienter ma vocation..

L’autre point fort c’est la présence de Judith Garland (le magicien d’Oz) au doublage de Mewsette et pour les chansons, à l’époque c’était THE argument du film si bien que même sur ma jaquette de cassette vidéo on ne voit qu’elle. En ce qui concerne les chansons, le style est vieillot, certaines sont meilleures que d’autres.

Le hic dans tout ça, c’est que même si je conseille ce film, il sera difficilement trouvable dans notre contrée, à ma connaissance il n’a jamais était édité que ce soit en DVD ou cassette. Si j’ai eu de la chance de le voir c’est parce qu’on me l’a enregistré lors de son passage sur canal fin des années 80. Bizarrement je l’ai en VF avec les chansons en VOSTT, alors que planète jeunesse semble dire que lors de ce passage ci il était en VO… hum…

Pour conclure, Gay Purr-ee est un très beau et bon film dans un style qui lui est propre et qu’il serait dommage de faire une comparaison avec les aristochats tant ils sont différents (excepte pour le thème). Mais si vous avez l’occasion de jeter un oeil dessus n’hésitez pas. J’espère vous avoir donné envie.

Aoi bungaku

Je le disais dans une note précédente, après avoir visionné plusieurs anime adaptées de romans, je me suis interréssée à leur support papier, et avais fait allusion à Aoi Bungaku.

Aoi Bungaku ou blue littérature, est une série de 12 épisodes adaptant 6 classiques de la littérature japonaise chez Madhouse. La particularité était de retrouver des mangakas connus : Takeshi Obata (Death Note, Hikaru no Go), Kubo Tite (Bleach) et Takeshi Konomi (The Prince of Tennis) chargés des ré-éditions des couvertures des romans originaux, en plus du chara-design des personnages de la série, différent celon chaque arc.
Nous avions donc ( dans l’ordre de diffusion):

Ningen Shikkaku, ( la déchéance d’un d’homme) de Osamu Dazaï 
Sakura no Mori no Mankai no Shita (dans la forêt, sous les cerisiers en fleurs) Ango Sakaguchi
Kokoro (le pauvre coeur des hommes) de Natsume Soseki
Hashire, Melos! (Cours, Melos!) de Osamu Dazaï 
Kumo no Ito, (le fil de l’araignée) Ryunosuke Akutagawa
Jigoku Hen, Ryunosuke Akutagawa
Les deux derniers étant plus des nouvelles que des romans
 

L’autre particularité c’est que c’est l’acteur Masato Sakai (Shuuji Hanamoto dans Honey and clover) qui double tout les personnages principaux, en plus de le voir en « live » entre chaque arc pour donner des infos sur l’auteur etc…

Après avoir visionnée l’intégralité de la série, je me suis mise à chercher leurs originaux papier en français. Je n’ai trouvé que  la déchéance d’un d’homme de Osamu Dazaï , et le pauvre coeur des hommes de natsume soseki traduit. Pour Ryunosuke Akutagawa, c’est sans doute dans un receuil de nouvelles, à vérifier. J’ai donc décidé à partir de ce que j’avais pu trouver/lire de faire un comparatif entre les adaptations.
A part la littérature, ce qui m’a fait me pencher sur cette série, c’est que plusieurs l’annoncer comme le nouveau Mouryou No hako, anime au scénario complexe et à l’ambiance sombre, lui aussi adapté d’une série de livre.

Voilà donc pour l’introduction.

Ningen Shikkaku, est le 1er arc, composé de 4 épisodes, chose étonnante quand on sait que le livre fait moins de 200 pages en plus d’être écrit gros.
C’est la 1ere fois que je lisais Dazai auteur majeur et pas spécialement connu pour son optimisme. Morphinomane, tuberculeux, alcoolique, et qui tenta de se suicider plusieurs fois avant d’y parvenir en 1948. Le moins qu’on puisse dire c’est que ce livre est à l’image de sa vie. L’anime aussi.
Evidemment plusieurs choses diffères entre les deux, et la psychologie même du personnage subie des variations. En tout les cas, je n’ai pas eu le même ressenti en lisant le livre quand visionnant l’anime.

J’ai trouvé cette dernière encore plus pessimiste et pathétique, sentiment surtout renforcé par la musique. Comme je l’ai dit dans une note précédente, il ne faut pas visionner l’anime en étant dépressif au risque de se tirer une balle.
 

 Le livre est chronologique. L’auteur nous parle de son enfance, de son adolescence et de sa vie de jeune étudiant/homme. Au contraire l’anime nous emmène directement à la dernière partie, et préfère évoquer le reste comme des passages marquant de sa vie, mais de manière peu claire. J’entend par là que ces périodes sont évoquées en tant que souvenirs avec les effets qui vont avec (flou, filtre sur l’image etc), on a la vision d’un gamin, à sa hauteur, les visages sont effacés, les choses suggérés plus que montrer. C’est l’une des différences avec le livre (mais pas la seule) dont les choses sont dite clairement et simplement.

SPOILER 

Notamment en ce qui concerne la relation avec son père, et son viol par les domestiques. A ce titre ces choses sont suggérés dans l’anime, mais de manière à être compréhensible, où le « héro » ne se rend compte que de l’abus ou de son désir de plaire à son père qu’une fois adulte, à la différence du livre où il en est parfaitement conscient même enfant. Le fait de ne pas en avoir parlé était à la fois par honte et par peur, mais aussi car celon lui « a quoi cela aurait il servi ? qu’est ce que cela aurait changé ? ».

Dans l’anime le père est montré comme menacant, un patriarche riche, obeït, respecté, peu enclin aux effusions d’amour paternel, quelqu’un de dur et sévère, que le personnage craint mais à qui il cherche à plaire par tout les moyens. Et c’est par ce biais que découle toute ses actions : ses tentatives de suicide, le fait de plonger dans la débauche, d’adhérer à des partis douteux etc…
FIN SPOILER

 

Le titre anglais « je ne suis plus humain/un homme », fait référence à l’état dans lequel se trouve le personnage durant toute l’anime. En effet celui ci ne s’est jamais considéré, comme un être humain capable de ressentir les choses, et toute sa vie il sera comme un singe tentant de mimer des émotions, de faire rire les gens pour qu’il ne voient pas qu’il fait semblant, un pauvre clown pathétique en somme. Le tout est symbolisé dans l’anime par une sorte de monstre difforme, une ombre qui le suit partout et lui rappel sans cesse sa vraie nature et le fait qu’il n’appartienne pas à cette société. Tout au long de la série nous le verrons essayer de s’intégrer, de se créer un semblant de vie de famille par le biais des femmes, de croire un instant qu’il est humain, avant de replonger. Ceci m’a rappelé le film « plaisirs inconnus » de Jia Zhang Ke, où les personnages inexpressif prisonnier de leur condition, essayent de s’en sortir mais sans réelle motivation, le tout avec des passages qui se répétent montrant l’impasse. Le personnage principal de l’anime essaye à chaque fois mais sans réelle conviction, et c’est là tout le pathétique de la chose.

Pour moi ca reste la différence majeur avec le livre. Je n’ai pas perçue la même psychologie. L’auteur nous parle de son enfance doré, puisqu’il est issu d’un famille riche au père influent, et qu’il n’a jamais eu à souffrir d’un manque, des tas de sensations lui sont inconnus. Il y a un certaine indifférence aux choses et aux gens, mais surtout je ne l’ai pas perçue comme quelqu’un incapable d’éprouver quoi que se soit mais juste un garçon qui c’est rendu compte très tôt de l’absurdité du monde des adultes, de leurs hypocrisies, des faux semblants, des masques que de mettent les gens en société pour plaire. Il y cette incompréhension face à toutes ces choses, des questions laissées sans réponses, et ce gros manque de communication.
SPOILER
La preuve la plus flagrande sera après sa 1ere tentative de suicide, au lieu d’avoir une famille à son chevet, il a un d’intermédiaire lui annoncant que cet acte fait tâche et nuit à la réputation de son père, à l’honneur de sa famille et que désormais celle ci ne veillera plus à ses dépenses. En sommes, personne ne se pose de questions sur le pourquoi de cet acte, et préfère rompre tout lien en le rendant en plus fautif.
FIN SPOILER

Sa relation même qu’il a avec les autres son fameux « ami » compagnon de débauche, et elle aussi autre. Adhérent à une sorte de parti plus par ennui, et envie de s’occuper en grimpant les échelles sans trop savoir pourquoi dans le livre, que pour magouiller avec son « ami » histoire de soutirer de l’argent à des pauvres bougres dans l’anime. Ce fameux ami qui semble ne l’être que par interêt toujours pour lui soutirer de l’argent à ce fil de riche, en même temps qu’il lui fait goûter le plaisir et les femmes, n’est dans le livre qu’un joyeux drille qui lui fait certes dépenser son argent mais dépense le sien tout autant sans pour autant lui en soutirer de manière vicieuse.

 

L’autre gros point important ou la psychologie du personnage et son passé, reste les femmes. La prostituée, la mère célibataire, la jeune fille…elles ponctuent l’histoire comme autant de facette de la femme. Chez toutes ils cherchera la redemption, le réconfort, placant parfois trop d’espoir, et plus dure sera la chute. L’anime fait percevoir une certaine solitude ces chez femmes, voir une lassitude de vivre, quelque part elles sont semblables au personnage principal sans pour autant qu’il se comprennent mutuellement. Pour la plupart elles le considèrent que comme un enfant, un grand enfant malheureux, mais pas mauvais. Elles ne voient pas le monstre qui quelque part les achève.
SPOILER
L’anime d’ailleurs ne montre que brièvement la dernière, éclipsant la partie où il devient accro à la morphine, pour donner une fin ouverte mais sans équivoque. Le livre va un peu plus loin, mais n’a pas de réel conclusion comme si Dazai c’était lassé, et n’avait finalement pas pu assumer ses propos, puisque c’est sous la forme d’un autre narrateur, inconnu et objectif, à qui on aurait confié les notes que l’on vient de lire que le récit se termine. Supposant que le héro est vivant, ou peu être pas.
On peut ne pas aimer la lâcheté du personnage, surtout quand après s’être mis encouple avec la mère de famille, et être devenu un papa d’adoption, se barrer par peur (enfin je l’ai vécue comme ça), et moi je me retrouvais dans la même situation que la femme : a esperer son retour, en lui trouvant des excuses, expliquant qu’il va mal. Alors que non, il ne reviendra pas! (je l’ai eu mauvaise)
FIN SPOILER

 

Je ne pense pas qu’il faut être un lecteur, ou un adepte de littérature pour apprécier ce drame humain,si on est pas allergique au fait que le personnage principal ressemble comme deux gouttes d’eau à Light Yagami, il serait bête de passer à côté de cette série, car certains arcs valent le coup.

Pour infos les captures sont issus du 1ere épisode, je parlerai des autres arcs dans une/des prochaines notes.